Plus de 50 des peintures les plus célèbres de l'histoire et ce qui les rend intemporelles

Qu’est-ce qui fait qu’une œuvre d’art reste gravée en nous sur le long terme ?

Comment certains tableaux acquièrent-ils une puissance esthétique apparemment instinctive, dont des générations d’amateurs d’art ne semblent jamais se lasser ?

Les tableaux les plus célèbres au monde ont acquis leur statut en capturant des émotions humaines universelles, des techniques artistiques révolutionnaires ou des moments historiques clés.

Ces œuvres restent pertinentes parce qu’elles abordent des thèmes intemporels tels que l’amour, la peur, la beauté, la mortalité et même la guerre ; des thèmes qui résonnent à travers les siècles. Elles captivent également notre attention et notre imagination, nous invitant à les regarder encore une fois, décennie après décennie.

Dans ce guide, nous explorons plus de 50 des tableaux les plus célèbres au monde. Des chefs-d’œuvre de la Renaissance aux classiques contemporains, les tableaux célèbres suivants ont occupé une place dans l’imaginaire collectif pendant des siècles et continuent de le faire.

Que vous les découvriez pour la première fois ou que vous retrouviez d’anciens favoris, ces images emblématiques reflètent certains des plus grands accomplissements de l’humanité, ainsi que quelques-unes de ses faiblesses.

Qu’est-ce qui rend un tableau « célèbre » ?

Tous les grands tableaux n’accèdent pas au statut de légende. Mais on retrouve généralement un ensemble de qualités communes aux tableaux les plus célèbres de tous les temps, qui les élèvent au-dessus des autres et les ancrent dans la conscience collective.

Cela comprend :

• L’histoire derrière une image : Lorsqu’un tableau s’accompagne d’une forte dose de mythe, de drame ou de scandale, il a davantage de chances de rester dans les mémoires. Lorsque la Joconde de Léonard de Vinci a été volée en 1911, les journaux du monde entier en ont parlé pendant des années. Après sa récupération, le tableau était devenu une célébrité mondiale.
• Maîtrise technique : Des œuvres comme La Création d’Adam ou Les Ménines sont magnifiques à regarder, mais elles recèlent également certaines des techniques artistiques les plus avancées et les plus subtiles, dont les artistes continuent de s’inspirer encore aujourd’hui. Le coup de pinceau, la composition et l’utilisation de la lumière dans ces tableaux représentent, au sens propre, le meilleur travail que l’humanité ait été capable de produire.
• Résonance culturelle : Les plus grands tableaux emblématiques saisissent un moment de l’histoire ou de l’expérience humaine avec une telle justesse qu’ils restent pertinents au fil des siècles. Guernica semble pertinent si vous avez vécu la violence, peu importe quand ou où. Le Cri semble pertinent si vous avez déjà été submergé par le traumatisme de la vie moderne.
• Époque immortalisée : Les grands tableaux parviennent d’une manière ou d’une autre à saisir quelque chose d’intemporel de l’époque à laquelle ils sont peints. Ils réussissent à capturer le sentiment ou l’identité d’un lieu à un moment précis de l’histoire. Cela explique en grande partie pourquoi les plus grands chefs-d’œuvre célèbres continuent de trouver un écho au fil des générations.

Les tableaux les plus célèbres de tous les temps

Voici les tableaux les plus célèbres et leurs artistes, classés par époque.

1. Chefs-d’œuvre de la Renaissance, années 1400–1600

La Joconde — Léonard de Vinci, 1503–1519. Louvre, Paris

La Joconde de Léonard de Vinci, peinte entre 1503 et 1519, est sans doute le tableau le plus célèbre au monde. Actuellement conservée au musée du Louvre à Paris, elle se contente de sourire au spectateur de son sourire énigmatique.

Le tableau est devenu encore plus célèbre après avoir été volé en 1911, puis retrouvé deux ans plus tard. Napoléon l’avait autrefois fait accrocher dans sa chambre ; aujourd’hui, sa valeur assurée est estimée entre plus de 700 millions et 3 milliards de dollars.

À ce jour, la Joconde demeure l’une des peintures à l’huile les plus célèbres jamais réalisées.

La Cène — Léonard de Vinci, 1495–1498. Milan

La Cène de Léonard de Vinci, peinte entre 1495 et 1498, représente le moment où le Christ annonce à ses disciples que l’un d’eux le trahira. Admiré pour sa profondeur émotionnelle et sa perfection technique, ce tableau énigmatique continue à la fois d’inspirer et de dérouter les spectateurs.

Des couches de symboles cachés et de messages secrets sont analysées et disséquées depuis des siècles. Malgré une détérioration importante, elle a été restaurée cinq fois afin de sauver ce chef-d’œuvre de l’oubli.

La Naissance de Vénus — Botticelli, milieu des années 1480. Galerie des Offices, Florence

La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli, datant du milieu des années 1480, demeure l’une des images les plus aimées de la Renaissance italienne. Elle représente la déesse Vénus émergeant de la mer sur un coquillage. Une peinture inhabituelle à la tempera à l’œuf sur panneau a contribué à protéger sa surface lumineuse ; il n’est donc guère étonnant que cette œuvre ait survécu et continue de rayonner de manière envoûtante six siècles plus tard.

La Création d’Adam — Michel-Ange, 1512

Le plafond de la chapelle Sixtine est l’une des plus grandes réalisations artistiques de toute l’histoire de l’humanité, et en son centre se trouve La Création d’Adam. Ce tableau représente le moment où le doigt de Dieu s’approche de la main tendue de l’homme.

Ce qui rend cette image extraordinaire, ce n’est pas seulement son échelle ou sa virtuosité technique, mais aussi le fait qu’elle fut l’une des premières peintures de la tradition occidentale à représenter Dieu lui-même comme une présence visible et physique dans le cadre. Michel-Ange a peint le plafond pendant quatre ans, allongé sur un échafaudage, souffrant de douleurs au cou et au dos qu’il a consignées dans ses propres poèmes.

L’École d’Athènes — Raphaël, 1509–1511

Peinte dans les musées du Vatican dans le cadre d’une série de fresques commandées par le pape Jules II, L’École d’Athènes est l’hommage de Raphaël aux grands penseurs de la Grèce antique. Platon et Aristote se tiennent au centre, entourés de Pythagore, Socrate, Euclide et de dizaines d’autres.

Dans ce tableau, Michel-Ange apparaît sous les traits d’Héraclite, sombre et pensif, assis seul sur une marche au premier plan. Le tableau est une véritable leçon de perspective et de composition architecturale, et cette salle demeure l’un des espaces les plus spectaculaires au monde.

Jeune Fille à la perle — Vermeer, 1665

Souvent appelée la « Mona Lisa du Nord », la Jeune Fille à la perle de Johannes Vermeer partage quelque chose d’essentiel avec son homologue italienne : le sujet vous regarde directement, avec une expression qu’il est impossible d’interpréter avec certitude.

Aujourd’hui conservé au Mauritshuis, à La Haye, le tableau a été acheté pour seulement 2 florins en 1881. Peu de peintures illustrent aussi magnifiquement le pouvoir discret de la lumière et de l’expression.

Les Ménines — Velázquez, 1656

Les Ménines sont exposées au Prado, à Madrid, et les historiens de l’art débattent à leur sujet depuis leur achèvement. Le tableau semble représenter la jeune infante Margarita entourée de ses dames d’honneur. Pourtant, Velázquez lui-même apparaît dans le cadre, pinceau à la main, apparemment en train de peindre une grande toile dont nous ne pouvons pas voir le sujet.

Cette œuvre est largement considérée comme la composition la plus complexe sur le plan philosophique de l’art occidental, brouillant la frontière entre le sujet et le spectateur, le peintre et le tableau peint. Michel Foucault a beaucoup écrit à son sujet. Pablo Picasso en a réalisé 58 variations. Son influence ne s’est jamais démentie.

Le Portrait des époux Arnolfini — Jan van Eyck, 1434

Il s’agit de l’une des premières peintures à l’huile et des plus célèbres jamais réalisées. Le niveau de détail est incroyable : le miroir sur le mur du fond reflète deux silhouettes minuscules, dont l’une serait probablement van Eyck lui-même ; le lustre comporte des bougies allumées distinctes ; même le pelage du chien est représenté mèche par mèche.

Van Eyck fut l’un des premiers peintres à véritablement maîtriser la peinture à l’huile comme médium, et ce tableau, que vous trouverez exposé à la National Gallery de Londres, montre ce que cela donne lorsqu’elle est poussée à l’extrême.

Le Jardin des délices — Jérôme Bosch, 1490–1510

Le Jardin des délices a été peint par Jérôme Bosch entre 1490 et sa mort en 1516. Ce triptyque luxuriant et fantastique, rempli de paysages surréalistes, de tours élancées et de créatures grandes et petites, est d’une modernité troublante.

Aujourd’hui conservé au musée du Prado, le chef-d’œuvre est souvent considéré comme un précurseur du surréalisme. Pourtant, aucun tableau ne récompense autant une observation prolongée que celui-ci.

2. Peintures baroques et classiques (années 1600–1700)

La Ronde de nuit de Rembrandt (1642)

La Ronde de nuit est le tableau qui a propulsé Rembrandt vers la célébrité, et il demeure, 400 ans plus tard, l’une des œuvres baroques les plus célèbres. Il montre une milice en train de tirer, menée par le capitaine Frans Banninck Cocq, mais ce qui est époustouflant, c’est son dynamisme : ces hommes ne posent pas pour un portrait. Ils sont en mouvement et s’apprêtent à sortir dans le monde.

Le tableau est exposé au Rijksmuseum d’Amsterdam et il est immense — plus de 3,35 mètres de haut et près de 4,25 mètres de large. Il a été attaqué à trois reprises, puis soigneusement restauré chaque fois.

La Leçon d’anatomie du docteur Tulp — Rembrandt, 1632

Dix ans avant La Ronde de nuit, Rembrandt a créé ce portrait de groupe tout aussi fascinant. La Leçon d’anatomie du docteur Tulp représente une dissection publique, une pratique courante à Amsterdam au XVIIe siècle.

À cette époque, les leçons d’anatomie étaient devenues des événements mondains : le docteur Nicolaes Tulp démontrait les muscles d’un avant-bras devant un cercle d’observateurs fascinés.

Les personnages se penchent, leurs visages exprimant toute une gamme de réactions, de l’intérêt clinique à l’émerveillement discret. C’est l’une des représentations les plus saisissantes de la curiosité scientifique dans l’histoire de l’art.

Jeune fille lisant une lettre à une fenêtre ouverte — Vermeer

Le génie de Vermeer résidait dans sa capacité à saisir le monde intime de la vie ordinaire. Jeune fille lisant une lettre à une fenêtre ouverte est un chef-d’œuvre d’immobilité : une femme absorbée par sa lecture, son visage reflété dans la vitre, la pièce baignée par la lumière froide du Nord. Le tableau de Vermeer donne l’impression de représenter non pas un seul instant, mais plusieurs moments qui se déroulent simultanément.

Judith décapitant Holopherne — Caravage, 1598–1599

La Judith décapitant Holopherne de Caravage n’est pas pour les âmes sensibles. Elle représente l’héroïne biblique en train de scier la tête du général assyrien Holopherne, et Caravage restitue la scène avec son réalisme brutal caractéristique. Il n’y a ici ni idéalisation ni distance élégante.

Le visage de Judith est ferme et déterminé. La violence est d’un réalisme décourageant. L’œuvre illustre aussi l’une des nombreuses raisons pour lesquelles Le Caravage était si novateur et si choquant : il prenait des gens ordinaires, parfois même directement dans les rues de Rome, comme modèles pour ses figures sacrées.

La Vocation de saint Matthieu — Le Caravage

Dans une chapelle sombre de Rome, Le Caravage a peint la vocation du saint, un rayon de lumière éclairant un groupe d’hommes réunis autour d’une table. Dans ce faisceau, on voit le Christ appeler un collecteur d’impôts à devenir apôtre. Le tableau a redéfini l’art européen par son usage dramatique de la lumière et de l’ombre ; son cadre contemporain et ses visages ordinaires lui conféraient une portée radicale.

3. Romantisme et réalisme (fin des années 1700–années 1800)

La Liberté guidant le peuple — Eugène Delacroix, 1830

La Liberté guidant le peuple est l’image ultime de la révolution. C’est une figure allégorique de la Liberté, seins nus, enjambant une barricade de cadavres et brandissant un drapeau français.

Delacroix l’a peint en réaction à la révolution de Juillet 1830, et il restitue à la fois l’idéalisme romantique et la réalité humaine sanglante des troubles politiques. Il est aujourd’hui exposé au musée du Louvre à Paris, sa figure centrale ayant servi de modèle à l’iconographie politique depuis lors.

Le Radeau de la Méduse — Théodore Géricault, 1818–1819

En 1816, une frégate de la marine française fit naufrage au large de la côte ouest de l’Afrique, laissant plus de 150 survivants dériver sur un radeau construit à la hâte. Lorsqu’ils furent secourus deux semaines plus tard, ils n’étaient plus que 15 ; leurs compagnons avaient succombé à la famine, à la violence et au cannibalisme.

Vive dénonciation de l’incompétence officielle de l’ère post-napoléonienne, Le Radeau de la Méduse de Géricault fit sensation dans le monde entier lors de sa présentation à Paris en 1819 ; aujourd’hui, il est magnifiquement exposé aux côtés de ses autres œuvres majeures au Louvre.

Le Voyageur contemplant une mer de nuages — Caspar David Friedrich, 1818

Une silhouette solitaire se tient au bord d’un précipice, le visage dissimulé par un chapeau, la veste serrée contre le vent. Elle fixe un océan de nuages en direction d’une chaîne de montagnes, dont les sommets sont à peine visibles dans la brume.

Le Voyageur contemplant une mer de nuages de Caspar David Friedrich est le romantisme à l’état pur : un homme réduit par la puissance écrasante et saisissante de la nature. Rejeté sur lui-même et sur l’abîme du temps, il voit l’espace s’ouvrir à l’infini. C’est aussi l’un des tableaux les plus immédiatement reconnaissables et les plus aimés issus de cette époque.

Le Trois Mai 1808 — Francisco Goya, 1814

Francisco Goya a peint Le Trois Mai 1808 six ans après l’exécution massive de civils espagnols par les forces de Napoléon à Madrid. La figure centrale, les bras ouverts dans un geste christique, éclairée par une lanterne dans l’obscurité, fait face à un peloton d’exécution.

C’est l’une des dénonciations de la guerre les plus puissantes de l’histoire de l’art. Picasso l’a citée comme une source d’inspiration directe pour Guernica, plus d’un siècle plus tard.

La Mère de Whistler — James Whistler, 1871

Officiellement intitulé Arrangement en gris et noir n° 1, La Mère de Whistler est le portrait officieux de la dignité maternelle dans l’art occidental. Whistler a peint sa mère, Anne, assise de profil devant un mur gris, calme et contenue. Le tableau est aujourd’hui exposé au musée d’Orsay à Paris et a été reproduit sur des timbres, dans des films et dans des publicités.

4. Impressionnisme (années 1860–1890)

Impression, soleil levant — Claude Monet, 1872

Impression, soleil levant est le tableau qui a accidentellement donné son nom à un mouvement. Lorsqu’il fut exposé en 1874, un critique s’en moqua, affirmant que ce n’était rien de plus qu’une « impression ». Les artistes ont repris l’insulte à leur compte, et la suite appartient à l’histoire.

La représentation brumeuse par Monet du port du Havre à l’aube, avec son soleil orange éclatant et ses coups de pinceau libres et visibles, a annoncé l’arrivée d’une nouvelle ère de la peinture.

Nymphéas — Claude Monet (série)

Vers la fin de sa vie, presque aveugle à cause de cataractes, Monet a créé la série des Nymphéas, qui compte plus de 250 grands tableaux représentant l’étang de son jardin à Giverny. Plusieurs de ces toiles monumentales recouvrent les murs du musée de l’Orangerie à Paris, créant un environnement immersif qui donne moins l’impression de regarder des tableaux que de se tenir à l’intérieur de l’un d’eux.

La série et les exemples conservés au MoMA de New York sont considérés comme des précurseurs de l’expressionnisme abstrait.

Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte — Georges Seurat, 1886

Georges Seurat a consacré deux ans à la création de ce tableau monumental en utilisant une technique qu’il appelait le pointillisme. Cette technique consiste à appliquer des milliers de minuscules points de couleurs pures que l’œil mélange en une seule couleur lorsqu’on les regarde à distance.

Le tableau représente des Parisiens se détendant au bord de la Seine par un après-midi d’été, dans un style empreint d’immobilité et de solennité, en contraste étonnant avec le sujet décontracté. Il est exposé à l’Art Institute of Chicago et demeure l’un des tableaux les plus extraordinaires sur le plan technique jamais réalisés.

La Danse au Moulin de la Galette — Pierre-Auguste Renoir, 1876

La Danse au Moulin de la Galette est Renoir au sommet de sa joie. Elle présente une scène de Parisiens dansant et conversant dans un café-jardin, sous la lumière tachetée qui filtre à travers les arbres et se reflète sur les surfaces des chapeaux, des verres et des visages souriants. Ce tableau vous rend heureux rien qu’en le regardant. Il est aujourd’hui exposé au musée d’Orsay.

Le Déjeuner des canotiers — Renoir, 1881

Compagnon d’esprit du Moulin de la Galette, Le Déjeuner des canotiers représente un groupe d’amis de Renoir — artistes, écrivains et mondains — réunis autour d’une table après une matinée passée sur l’eau. Il s’agit de l’un des tableaux les plus festifs de l’histoire et de l’un des plus beaux exemples de l’art impressionniste.

Le Déjeuner sur l’herbe — Édouard Manet, 1862–1863

Le Déjeuner sur l’herbe a fait scandale lors de sa première exposition. Une femme nue est assise nonchalamment avec deux hommes entièrement vêtus dans un parc, regardant directement le spectateur sans aucune gêne. L’establishment académique était outré.

Mais Manet ne s’intéressait ni à la mythologie ni à l’allégorie ; il voulait simplement peindre la vie moderne réelle, dans toute son étrange complexité sociale. Le tableau est aujourd’hui reconnu comme l’une des œuvres charnières de la transition entre l’art classique et l’art moderne.

Dans un café, dit aussi L’Absinthe — Edgar Degas, 1876

Degas avait le don de saisir la mélancolie de la vie moderne, et Dans un café, dit aussi L’Absinthe, est peut-être son œuvre la plus troublante. Une femme est assise à une table de café, un verre d’absinthe devant elle, le regard perdu au loin, affichant un détachement absolu.

La composition est délibérément déconcertante, les personnages étant repoussés d’un côté et la table flottant selon un angle inhabituel, ce qui crée un sentiment de malaise très contemporain.

5. Postimpressionnisme et expressionnisme

La Nuit étoilée — Vincent van Gogh, 1889. MoMA, New York

Vincent van Gogh a peint en 1889 cette évocation nocturne de sa vue diurne, durant son séjour dans un asile psychiatrique à Saint-Rémy. On aperçoit à droite une partie du bâtiment, au-delà duquel il avait une vue murée sur des champs de blé. La Nuit étoilée compte parmi les œuvres les plus emblématiques de l’histoire de l’art occidental, grâce à sa puissante dynamique émotionnelle et psychologique et à ses couleurs vibrantes.

Tournesols — Van Gogh, 1888

La série vibrante de tournesols de Van Gogh, peinte en 1888, exalte la couleur, la vie et la camaraderie artistique. Elle compte parmi ses œuvres les plus emblématiques.

Une grande touffe d’herbe — Albrecht Dürer

Bien qu’issue d’une époque antérieure, Une grande touffe d’herbe d’Albrecht Dürer mérite d’être mentionnée dans l’esprit postimpressionniste d’une observation de la nature avec une intensité obsessionnelle. Peinte en 1503, elle représente une touffe d’herbe, des mauvaises herbes et un pissenlit, rendus avec un souci du détail microscopique.

Il s’agit de l’une des premières études de paysage à proprement parler de l’art occidental, et l’attention scientifique portée par Dürer au monde naturel l’a placé des siècles en avance sur son temps.

Autoportrait à l’oreille bandée — Van Gogh, 1889

Van Gogh a peint cette œuvre en 1889, à la suite de sa célèbre crise, et elle témoigne de sa résilience et de sa vulnérabilité avec une remarquable franchise.

D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? — Paul Gauguin, 1897

Gauguin a peint cette œuvre monumentale à Tahiti après avoir abandonné l’Europe, et la considérait comme son chef-d’œuvre. Le titre se lit comme une méditation sur l’existence humaine — la naissance à une extrémité de la toile, la vieillesse à l’autre, et au centre, une figure tendant le bras pour cueillir un fruit sur un arbre.

Mont Sainte-Victoire — Paul Cézanne

Au cours de la dernière décennie de sa vie, Paul Cézanne a peint plus de soixante fois le mont Sainte-Victoire, la montagne proche de sa ville natale d’Aix-en-Provence. Dans chaque version, il poussait plus loin la géométrie du paysage, décomposant la montagne en plans de couleur qui préfiguraient le cubisme. Cézanne disait célèbrement vouloir « refaire Poussin d’après nature », et ces tableaux représentent son étude la plus soutenue de la manière dont l’œil perçoit réellement la profondeur et la forme.

6. Chefs-d’œuvre modernes et du XXe siècle

Guernica — Pablo Picasso, 1937

Guernica est le tableau le plus puissant politiquement de l’art moderne. Picasso l’a créé en réaction au bombardement nazi de la ville basque de Guernica pendant la guerre civile espagnole. Le tableau est une cacophonie de figures hurlantes, d’un cheval mourant, d’une mère en pleurs et de fragments de corps.

Il est exposé au musée Reina Sofía de Madrid, où il est resté pendant des décennies dans des conditions particulières : durant de nombreuses années, Picasso a refusé de le laisser retourner en Espagne tant que Franco était au pouvoir.

Les Demoiselles d’Avignon — Picasso, 1907

Si Guernica est le testament moral de Picasso, Les Demoiselles d’Avignon sont son séisme artistique. Le tableau représente cinq femmes nues rendues dans un style fracturé et anguleux, qui rompait totalement avec toute la tradition occidentale du nu.

Les masques africains et ibériques ont influencé Picasso, et le résultat fut une œuvre si radicale que même ses amis les plus proches en furent choqués. Elle est largement considérée comme l’acte fondateur du cubisme et comme l’un des tableaux les plus célèbres de l’histoire. Elle est exposée au MoMA de New York.

La Persistance de la mémoire (Les Montres molles) — Salvador Dalí, 1931

Sur une petite toile à peine plus grande qu’une feuille de papier, Salvador Dalí a créé l’une des œuvres d’art les plus immédiatement reconnaissables du XXe siècle. Il affirmait l’avoir peinte après avoir fixé un morceau de camembert fondant. Que cela soit vrai ou non, l’image s’est ancrée dans l’imaginaire collectif mondial et n’en est jamais repartie. Elle est exposée au MoMA de New York.

Le Fils de l’homme — René Magritte, 1964

René Magritte était fasciné par la dissimulation, et Le Fils de l’homme est sa méditation la plus célèbre sur cette idée. Un homme coiffé d’un chapeau melon et vêtu d’un manteau se tient devant un muret ; une pomme verte en suspension masque entièrement son visage. C’est drôle, étrange et d’une grande acuité philosophique.

American Gothic — Grant Wood, 1930

American Gothic est l’une des peintures les plus reconnaissables de l’art américain. Un homme austère tenant une fourche et une femme se tiennent devant une ferme dotée d’une fenêtre gothique distinctive. Leurs expressions font débat depuis toujours. S’agit-il d’un fermier et de sa femme ? Ou d’un père et de sa fille ? Le tableau est exposé à l’Art Institute of Chicago.

Les Noctambules — Edward Hopper, 1942

Les Noctambules est le tableau emblématique de la solitude américaine. Quatre personnages dans un diner tard dans la nuit (un couple, un homme seul tournant le dos à la fenêtre et un serveur derrière le comptoir) sont éclairés par une lumière fluorescente crue, qui contraste avec la rue sombre de la ville à l’extérieur.

Hopper a saisi l’isolement au cœur de la vie urbaine moderne avec une clarté qui a fait de cette image l’une des plus reproduites de l’art américain. Elle est exposée à l’Art Institute of Chicago.

Boîtes de soupe Campbell’s — Andy Warhol, 1962

La série de 1962 d’Andy Warhol a élevé des produits de consommation courante au rang des beaux-arts, redéfinissant la relation entre l’art et la culture populaire. Dans cette œuvre, Warhol se demandait ce qui faisait de « l’art » de l’art, et pourquoi une boîte de soupe méritait moins d’être contemplée qu’une Vierge de la Renaissance. Les œuvres se trouvent aujourd’hui au MoMA, et la question qu’elles ont soulevée n’a jamais reçu de réponse définitive.

No 31 — Jackson Pollock, 1950

Le No 31 de Jackson Pollock est l’une des œuvres emblématiques de l’expressionnisme abstrait. Pollock posait ses toiles au sol et faisait goutter, couler et jaillir la peinture sur la surface, dans un processus qu’il décrivait comme un geste pur. Le résultat est une toile dense et stratifiée de lignes qui récompense une observation prolongée. L’œuvre est exposée au MoMA, à New York.

Le Monde de Christina — Andrew Wyeth, 1948

Le Monde de Christina est à la fois l’une des peintures les plus aimées et les plus troublantes de l’art américain. Le tableau associe réalisme et mystère, et la figure qui s’étend à travers le champ est devenue une icône du désir et de la détermination. Le tableau est exposé au MoMA, et son alliance de beauté et de mélancolie est inoubliable.

Le Baiser — Gustav Klimt, 1907–1908

Le Baiser de Gustav Klimt est rehaussé de feuilles d’or, de motifs décoratifs et de formes tourbillonnantes qui oscillent entre le figuratif et l’abstrait. Il est exposé au musée du Belvédère, à Vienne, et des reproductions se trouvent dans des appartements et des résidences universitaires du monde entier.

Autoportrait au collier d’épines et colibri — Frida Kahlo, 1940

Frida Kahlo a peint Autoportrait au collier d’épines et colibri pendant l’une des périodes les plus douloureuses de sa vie. Un chat noir est assis sur une épaule, un singe sur l’autre ; un collier d’épines lui fait couler du sang au cou. Kahlo a transformé sa douleur en art avec une franchise qui continue de toucher profondément les publics du monde entier.

Composition avec rouge, bleu et jaune — Mondrian, 1930

La Composition avec rouge, bleu et jaune de Piet Mondrian semble simple : une toile blanche divisée par des lignes noires en champs rectangulaires, dont trois sont remplis de rouge, de bleu et de jaune.

Mais Mondrian a consacré des années à élaborer l’équilibre précis de cette composition, convaincu qu’il recherchait une harmonie visuelle universelle sous la surface du monde visible. L’influence de cette œuvre et d’œuvres similaires sur le design graphique, la mode et l’architecture est incalculable.

7. Portraits emblématiques à connaître

Portrait d’Henri VIII

Hans Holbein le Jeune a créé en 1537 l’image définitive du pouvoir des Tudor avec cette fresque représentant Henri entouré de son père et de son fils. Détruite peu après son achèvement, la maquette de la fresque est devenue si emblématique qu’elle définit encore aujourd’hui l’image d’Henri.

Madame X — John Singer Sargent, 1884. Metropolitan Museum of Art, New York

Le portrait de Madame X réalisé par John Singer Sargent en 1884 a provoqué un scandale à Paris. Aujourd’hui, il est célébré pour son élégance froide, sa finition soignée et sa maîtrise du pinceau.

Napoléon franchissant les Alpes — Jacques-Louis David, 1801. Palais de Versailles

Jacques-Louis David a transformé un simple franchissement militaire en une propagande héroïque dans ce chef-d’œuvre de 1801.

Le Jeune Bleu — Thomas Gainsborough, 1770

Le portrait de 1770 réalisé par Thomas Gainsborough est un chef-d’œuvre de l’art britannique, célébré pour sa palette lumineuse et son assurance pleine de maîtrise.

Des chiens jouant au poker — Cassius Coolidge, 1894–1903

La série de peintures humoristiques de Cassius Coolidge, créée entre 1894 et 1903, est davantage connue pour son omniprésence que pour une quelconque valeur artistique particulière. Et le fait qu’elle soit restée si populaire jusqu’à aujourd’hui montre que l’histoire de l’art possède aussi le sens de l’humour.

Peintures célèbres des artistes les plus emblématiques

Certains artistes ont créé des œuvres si remarquables qu’ils sont finalement devenus des noms familiers. L’ensemble de leur œuvre renferme des chefs-d’œuvre. Ils appartiennent à la catégorie des génies et, lorsque nous parlons d’histoire, nous avons tendance à utiliser leur travail comme repère chronologique.

• Peintures célèbres de Léonard de Vinci : La Joconde, La Cène, L’Homme de Vitruve, La Dame à l’hermine et Salvator Mundi
• Peintures célèbres de Vincent van Gogh : La Nuit étoilée, Les Tournesols, Les Iris, Autoportrait à l’oreille bandée et La Chambre.
• Œuvres célèbres de Pablo Picasso : Guernica, Les Demoiselles d’Avignon, La Femme qui pleure, Jeune fille devant un miroir, Les Trois Musiciens
• Tableaux célèbres de Claude Monet : Impression, soleil levant, Nymphéas, Femme à l’ombrelle, série des Cathédrales de Rouen, Meules.
• Tableaux célèbres de Johannes Vermeer : La Jeune Fille à la perle, La Laitière, Vue de Delft, Femme à la balance et Jeune Fille lisant une lettre à une fenêtre ouverte.
• Tableaux célèbres de Rembrandt : La Ronde de nuit, La Leçon d’anatomie du docteur Nicolaes Tulp, Le Retour du fils prodigue, Autoportrait aux deux cercles

Tableaux célèbres par mouvement artistique

Mouvement artistique	Époque	Tableau emblématique	Artiste
Renaissance	Années 1400–1600	La Joconde	Léonard de Vinci
Baroque	Années 1600	La Ronde de nuit	Rembrandt
Romantisme	Début des années 1800	La Liberté guidant le peuple	Eugène Delacroix
Impressionnisme	Fin des années 1800	Impression, soleil levant	Claude Monet
Postimpressionnisme	Fin des années 1800	La Nuit étoilée	Vincent van Gogh
Surréalisme	Début des années 1900	La Persistance de la mémoire	Salvador Dalí
Art moderne	Années 1900	Guernica	Pablo Picasso

Où voir ces tableaux célèbres ?

Bon nombre des plus grands chefs-d’œuvre du monde — ceux qu’on nous dit d’« aller voir » — sont exposés dans des musées qui valent à eux seuls le détour. Non seulement vous pouvez y voir en personne l’échelle, la texture et les couleurs d’un tableau, mais vous y découvrirez souvent d’autres œuvres qui vous plairont tout autant.

Le Louvre à Paris abrite La Joconde, La Liberté guidant le peuple et des trésors innombrables, de l’Antiquité au XIXe siècle.

Le Musée d’Art moderne de New York abrite La Nuit étoilée, Les Demoiselles d’Avignon, les boîtes de soupe Campbell et bien d’autres œuvres emblématiques de la modernité. C’est une visite incontournable pour toute personne qui s’intéresse à l’art moderne.

La galerie des Offices de Florence vous fait voyager à travers la Renaissance avec La Naissance de Vénus et des œuvres de Botticelli, Léonard de Vinci et Michel-Ange.

Le musée du Prado de Madrid abrite Les Ménines, Le Jardin des délices, ainsi que des chefs-d’œuvre de Goya, Velázquez et El Greco.

Le Rijksmuseum d’Amsterdam abrite La Ronde de nuit et d’autres œuvres du Siècle d’or néerlandais. Les Tournesols, Le Portrait des Arnolfini et l’une des plus vastes collections d’art européen au monde se trouvent à la National Gallery de Londres.

Et le musée d’Orsay à Paris possède une exceptionnelle collection de peintures impressionnistes et postimpressionnistes d’artistes tels que Monet, Renoir, Degas et Van Gogh.

Ensemble, ces institutions protègent bon nombre des tableaux les plus importants de l’histoire.

Donnez vie à un chef-d’œuvre célèbre avec la peinture par numéros

Admirer ces chefs-d'œuvre derrière la cordelette d'un musée est une chose, mais vous appréciez tout autrement une œuvre d'art célèbre lorsque vous la recréez vous-même. En peignant, vous commencerez à remarquer toutes les décisions qui ont contribué à faire de ce chef-d'œuvre ce qu'il est, qu'il s'agisse des relations entre les couleurs, de la composition ou du travail au pinceau.

Canvas by Numbers crée des kits inspirés de certaines des plus grandes œuvres d'art, notamment La Nuit étoilée, Nymphéas, Le Baiser et Le Voleur de fraises. Que vous soyez débutant ou peintre expérimenté, ces kits donnent vie à l'histoire de l'art d'une manière merveilleusement concrète.

Il est également très thérapeutique de prendre un peu de temps chaque jour pour créer quelque chose de beau de ses propres mains. Après quelques jours, vous prendrez du recul et serez émerveillé par ce que vous êtes capable de créer.

Foire aux questions

1. Quelle est la peinture la plus célèbre au monde ?
La Joconde est probablement la peinture la plus célèbre au monde, grâce à son sourire emblématique, son histoire fascinante et son statut dans le monde de l'art.

2. Quelle est la peinture la plus chère jamais vendue ?
Salvator Mundi de Léonard de Vinci est devenue la peinture la plus chère jamais vendue aux enchères lorsqu'elle a atteint 450,3 millions de dollars en 2017.

3. Qu'est-ce qui définit une peinture célèbre ?
L'innovation artistique, l'importance historique et la mise en lumière continue d'une histoire captivante contribuent à transformer n'importe quelle peinture en icône.

4. Quelles sont les peintures les plus emblématiques de Van Gogh ?
La Nuit étoilée, les Tournesols, les Iris, La Chambre à coucher et Autoportrait à l'oreille bandée comptent parmi ses œuvres les plus célèbres.

5. Quelles sont les peintures impressionnistes les plus célèbres ?
Impression, soleil levant, Nymphéas, Bal du moulin de la Galette et Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte

6. Où la Joconde est-elle conservée ?
La Joconde se trouve au musée du Louvre, à Paris, et des millions de visiteurs viennent l'admirer chaque année.

7. Quelle est la plus ancienne peinture connue de tous ?
L'une des peintures sur panneau les plus anciennes et les plus célèbres est Le Portrait des époux Arnolfini de Jan van Eyck (1434), mais les peintures rupestres préhistoriques sont bien plus anciennes.

8. Quelles sont les peintures les plus célèbres des États-Unis ?
American Gothic, Nighthawks et Christina's World — d'innombrables chefs-d'œuvre du MoMA figurent parmi les plus célèbres d'Amérique.