Más de 50 de las pinturas más famosas de la historia y qué las hace atemporales

¿Qué hace que una obra de arte permanezca con nosotros durante tanto tiempo?

¿Cómo adquieren algunas pinturas una capacidad de permanencia estética aparentemente primigenia, de la que generaciones de amantes del arte no parecen tener suficiente?

Las pinturas más famosas del mundo se han ganado su estatus al capturar emociones humanas universales, técnicas artísticas revolucionarias o momentos históricos clave.

Estas obras siguen siendo relevantes porque abordan temas atemporales como el amor, el miedo, la belleza, la mortalidad e incluso la guerra; temas que resuenan a lo largo de los siglos. También cautivan nuestra atención e imaginación y nos invitan a volver a mirarlas, década tras década.

En esta guía, exploramos más de 50 de las pinturas más famosas del mundo. Desde obras maestras del Renacimiento hasta clásicos contemporáneos, las siguientes pinturas famosas han ocupado un lugar en el imaginario colectivo durante siglos y continúan haciéndolo.

Ya sea que las descubras por primera vez o que vuelvas a contemplar viejas favoritas, estas imágenes icónicas reflejan algunos de los mayores logros de la humanidad, así como algunos de nuestros defectos.

¿Qué hace que una pintura sea «famosa»?

No todas las grandes pinturas alcanzan un estatus legendario. Pero suele haber un conjunto de cualidades que comparten las pinturas más famosas de todos los tiempos, que las elevan por encima de las demás y las arraigan en la conciencia colectiva.

Estas incluyen:

• Historia detrás de una imagen: Si una pintura viene acompañada de una gran dosis de mito, drama o escándalo, es más probable que perdure. Cuando robaron la Mona Lisa de Leonardo da Vinci en 1911, los titulares internacionales hablaron del caso durante años. Tras su recuperación, la pintura se había convertido en una celebridad mundial.
• Dominio técnico: Pinturas como La creación de Adán o Las meninas son impresionantes a la vista, pero también contienen algunas de las técnicas artísticas más avanzadas y sutiles de las que los artistas siguen aprendiendo incluso hoy. La pincelada, la composición y el uso de la luz en estas pinturas representan, literalmente, lo mejor que la humanidad ha sido capaz de producir.
• Relevancia cultural: Las pinturas icónicas más importantes capturan un momento de la historia o de la experiencia humana con tal perfección que mantienen una relevancia duradera a lo largo de los siglos. Guernica resulta relevante si has vivido la violencia, sin importar cuándo o dónde. El grito resulta relevante si alguna vez te has sentido abrumado por el trauma de la vida moderna.
• Época que capturó: Las grandes pinturas capturan de algún modo algo atemporal sobre la época en la que fueron creadas. Consiguen plasmar el sentimiento o la identidad de un lugar en un momento concreto de la historia. Esto explica en gran medida por qué las grandes obras maestras famosas siguen resonando a través de las generaciones.

Las pinturas más famosas de todos los tiempos

Estas son las pinturas más famosas y sus artistas, organizadas por época.

1. Obras maestras del Renacimiento, siglos XV–XVII

Mona Lisa — Leonardo da Vinci, 1503–1519. Louvre, París

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci, pintada en algún momento entre 1503 y 1519, es posiblemente la pintura más famosa del mundo. Actualmente expuesta en el Museo del Louvre de París, simplemente devuelve la mirada al espectador con su sonrisa enigmática.

La pintura se hizo aún más famosa después de ser robada en 1911 y recuperada dos años más tarde. Napoleón la tuvo colgada en su dormitorio; hoy, su valor asegurado se estima entre 700 millones y 3.000 millones de dólares.

Hasta la fecha, la Mona Lisa sigue siendo una de las pinturas al óleo más famosas jamás realizadas.

La Última cena — Leonardo da Vinci, 1495–1498. Milán

La Última cena de Leonardo da Vinci, pintada entre 1495 y 1498, representa el momento en que Cristo les dice a sus discípulos que uno de ellos lo traicionará. Admirado por su profundidad emocional y perfección técnica, este cuadro enigmático continúa inspirando y desconcertando a los espectadores.

Durante siglos se han analizado y desentrañado capas de símbolos ocultos y mensajes secretos. A pesar de su considerable deterioro, ha sido restaurada cinco veces para salvar esta obra maestra del olvido.

El nacimiento de Venus — Botticelli, mediados de la década de 1480. Galería Uffizi, Florencia

El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli, de mediados de la década de 1480, sigue siendo una de las imágenes más queridas del Renacimiento italiano. Muestra a la diosa Venus surgiendo del mar sobre una concha. Una inusual pintura al temple de huevo sobre tabla ayudó a proteger su superficie resplandeciente, por lo que no es de extrañar que esta obra haya sobrevivido y brille seductoramente seis siglos después.

La creación de Adán — Miguel Ángel, 1512

El techo de la Capilla Sixtina es uno de los mayores logros artísticos individuales de la historia de la humanidad, y en su centro se encuentra La creación de Adán. Esta pintura representa el momento en que el dedo de Dios se acerca a la mano extendida del hombre.

Lo que hace extraordinaria a esta imagen no es solo su escala o brillantez técnica, sino el hecho de que fue una de las primeras pinturas de la tradición occidental en representar a Dios mismo como una presencia visible y física dentro del cuadro. Miguel Ángel pintó el techo durante cuatro años mientras permanecía tumbado sobre los andamios, sufriendo dolores de cuello y espalda que documentó en sus propios poemas.

La escuela de Atenas — Rafael, 1509–1511

Pintada en los Museos Vaticanos como parte de una serie de frescos para el papa Julio II, La escuela de Atenas es el homenaje de Rafael a los grandes pensadores de la antigua Grecia. Platón y Aristóteles están en el centro, rodeados por Pitágoras, Sócrates, Euclides y decenas de figuras más.

En esta pintura, Miguel Ángel aparece como el taciturno Heráclito, sentado a solas en un escalón del primer plano. La pintura es una lección magistral de perspectiva y composición arquitectónica, y sigue siendo una de las salas más espectaculares del mundo.

Joven de la perla — Vermeer, 1665

A menudo llamada la «Mona Lisa del norte», la Joven de la perla de Johannes Vermeer comparte algo esencial con su homóloga italiana: la modelo te mira directamente con una expresión imposible de interpretar con certeza.

Actualmente conservada en el Mauritshuis de La Haya, fue adquirida por tan solo 2 florines en 1881. Pocas pinturas demuestran tan bellamente el poder sutil de la luz y la expresión.

Las Meninas — Velázquez, 1656

Las Meninas se exhibe en el Prado de Madrid, y los historiadores del arte han debatido sobre ella desde que se terminó. La pintura parece mostrar a la joven infanta Margarita rodeada de sus damas de honor. Sin embargo, el propio Velázquez aparece en el cuadro, con el pincel en la mano, aparentemente pintando un gran lienzo cuyo tema no podemos ver.

Se considera ampliamente la composición más compleja filosóficamente del arte occidental, pues difumina la línea entre sujeto y espectador, pintor y objeto pintado. Michel Foucault escribió extensamente sobre ella. Pablo Picasso realizó 58 variaciones. Su influencia nunca ha cesado.

El retrato de los Arnolfini — Jan van Eyck, 1434

Esta es una de las pinturas al óleo más antiguas y célebres jamás realizadas. El nivel de detalle es increíble; el espejo de la pared del fondo refleja dos figuras diminutas, una de las cuales probablemente sea el propio van Eyck; la lámpara de araña contiene velas encendidas individuales; incluso el pelaje del perro aparece representado hebra por hebra.

Van Eyck fue uno de los primeros pintores en dominar realmente el óleo como medio, y esta pintura, que se encuentra en la National Gallery de Londres, muestra ese dominio llevado al extremo.

El jardín de las delicias — Hieronymus Bosch, 1490–1510

El jardín de las delicias fue pintado por Hieronymus Bosch en algún momento entre 1490 y su muerte en 1516. Este exuberante y fantástico tríptico, lleno de paisajes surrealistas, torres elevadas y criaturas grandes y pequeñas, resulta inquietantemente moderno.

Hoy, ubicada en el Museo del Prado, esta obra maestra suele considerarse precursora del surrealismo. Pero ninguna pintura recompensa tanto como esta una contemplación prolongada.

2. Pinturas barrocas y clásicas (siglos XVII–XVIII)

La ronda de noche de Rembrandt (1642)

La ronda de noche es la pintura que catapultó a Rembrandt a la fama y, 400 años después, sigue siendo una de las obras barrocas más famosas. Muestra a una milicia en plena acción, liderada por el capitán Frans Banninck Cocq, pero lo asombroso es su dinamismo: no son personas posando para un retrato. Están en movimiento y a punto de salir al mundo.

La pintura cuelga en el Rijksmuseum de Ámsterdam y es enorme: mide más de 3,3 metros de alto y casi 4,3 metros de ancho. Ha sido atacada tres veces y, en cada ocasión, restaurada cuidadosamente.

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp — Rembrandt, 1632

Una década antes de La ronda de noche, Rembrandt creó este retrato de grupo igualmente fascinante. La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp representa una disección pública, una práctica habitual en el Ámsterdam del siglo XVII.

Para entonces, las lecciones de anatomía eran actos sociales, con el doctor Nicolaes Tulp mostrando los músculos de un antebrazo ante un círculo de observadores fascinados.

Las figuras se inclinan hacia delante, con rostros que expresan una variedad de reacciones, desde el interés clínico hasta la serena admiración. Es una de las representaciones más cautivadoras de la curiosidad científica en la historia del arte.

Muchacha leyendo una carta ante una ventana abierta — Vermeer

El genio de Vermeer residía en capturar el mundo privado de la vida cotidiana. Muchacha leyendo una carta ante una ventana abierta es una obra maestra de la quietud: una mujer absorta en la lectura, con el rostro reflejado en el cristal y la habitación bañada por la fresca luz del norte. La pintura de Vermeer da la impresión de representar no solo un momento, sino varios que se desarrollan a la vez.

Judit decapitando a Holofernes — Caravaggio, 1598–1599

La Judit decapitando a Holofernes de Caravaggio no es para personas impresionables. Representa a la heroína bíblica cortándole la cabeza al general asirio Holofernes, y Caravaggio plasma la escena con su característico realismo brutal. Aquí no hay idealización ni una distancia elegante.

El rostro de Judith refleja firmeza y determinación. La violencia resulta desalentadoramente real. Y ofrece uno de los muchos ejemplos de lo que hizo que Caravaggio fuera tan novedoso y escandaloso: utilizaba a personas corrientes, incluso algunas directamente de las calles de Roma, como modelos para figuras sagradas.

La vocación de san Mateo — Caravaggio

En una capilla poco iluminada de Roma, Caravaggio pintó la llamada del santo con un haz de luz sobre un grupo de hombres reunidos alrededor de una mesa. En ese rayo, se ve a Cristo llamando a un recaudador de impuestos para convertirlo en apóstol. La pintura redefinió el arte europeo: el uso dramático de la luz y la sombra, el escenario contemporáneo y los rostros corrientes conferían al tema un carácter radical.

3. Romanticismo y realismo (finales del siglo XVIII–siglo XIX)

La libertad guiando al pueblo — Eugène Delacroix, 1830

La libertad guiando al pueblo es la imagen definitiva de la revolución. Es una figura alegórica de la Libertad, con el pecho desnudo, avanzando sobre una barricada de cadáveres y sosteniendo una bandera francesa.

Delacroix la pintó como respuesta a la Revolución de Julio de 1830, y captura tanto el idealismo romántico como la sangrienta realidad humana de la agitación política. Ahora cuelga en el Museo del Louvre de París, y su figura central ha servido de modelo para la iconografía política desde entonces.

La balsa de la Medusa — Théodore Géricault, 1818–1819

En 1816, una fragata naval francesa naufragó frente a la costa occidental de África, dejando a más de 150 supervivientes a la deriva en una balsa construida apresuradamente. Cuando fueron rescatados dos semanas después, solo quedaban 15; sus compañeros habían sucumbido al hambre, la violencia y el canibalismo.

Una acusación demoledora contra la incompetencia oficial de la era posnapoleónica, La balsa de la Medusa, de Géricault, causó sensación internacional cuando se presentó en París en 1819; hoy cuelga espléndidamente junto a sus otras obras principales en el Louvre.

El caminante sobre el mar de nubes — Caspar David Friedrich, 1818

Una figura solitaria se alza sobre un precipicio, con el rostro oculto por un sombrero y la chaqueta del traje ceñida contra el viento. Contempla un océano de nubes hacia una cordillera cuyos picos apenas se vislumbran entre la bruma.

El caminante sobre el mar de nubes, de Caspar David Friedrich, es el Romanticismo destilado: muestra a un hombre empequeñecido por el poder abrumador e inspirador de asombro de la naturaleza. Se ve arrojado de nuevo sobre sí mismo y el abismo del tiempo, mientras el espacio se abre hasta el infinito. También es una de las pinturas más reconocibles y queridas que surgieron de esa época.

El tres de mayo de 1808 — Francisco Goya, 1814

Francisco Goya pintó El tres de mayo de 1808 seis años después de la ejecución masiva de civiles españoles a manos de las fuerzas de Napoleón en Madrid. La figura central, con los brazos extendidos en un gesto semejante al de Cristo, iluminada por un farol contra la oscuridad, se enfrenta a un pelotón de fusilamiento.

Es una de las declaraciones antibélicas más contundentes de la historia del arte. Picasso la citó como inspiración directa para el Guernica, más de un siglo después.

La madre de Whistler — James Whistler, 1871

Formalmente titulado Arreglo en gris y negro n.º 1, La madre de Whistler es el retrato no oficial de la dignidad materna en el arte occidental. Whistler pintó a su madre, Anne, sentada de perfil frente a una pared gris, serena y contenida. El cuadro se encuentra actualmente en el Musée d'Orsay de París y ha sido reproducido en sellos postales, películas y anuncios.

4. Impresionismo (décadas de 1860 a 1890)

Impresión, sol naciente — Claude Monet, 1872

Impresión, sol naciente es el cuadro que dio nombre accidentalmente a un movimiento. Cuando se expuso en 1874, un crítico se burló de él y dijo que no era más que una «impresión». Los artistas adoptaron el insulto, y el resto es historia.

La representación brumosa que Monet hizo del puerto de Le Havre al amanecer, con su resplandeciente sol naranja y sus pinceladas sueltas y visibles, anunció la llegada de una nueva era de la pintura.

Nenúfares — Claude Monet (serie)

Al final de su vida, casi ciego debido a las cataratas, Monet creó la serie de Nenúfares, compuesta por más de 250 pinturas de gran formato del estanque de su jardín en Giverny. Varios de estos enormes lienzos cubren las paredes del museo de la Orangerie en París, creando un entorno inmersivo que se siente menos como contemplar pinturas y más como estar dentro de una de ellas.

La serie y los ejemplos que se conservan en el MoMA de Nueva York se consideran precursores del expresionismo abstracto.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte — Georges Seurat, 1886

Georges Seurat pasó dos años creando esta pintura monumental mediante una técnica que llamó puntillismo. La técnica consiste en miles de diminutos puntos de color puro que el ojo mezcla en un solo color a distancia.

El cuadro representa a parisinos relajándose junto al Sena una tarde de verano, plasmados con una quietud y formalidad que contrastan extrañamente con el tema informal. Se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago y sigue siendo una de las pinturas técnicamente más extraordinarias que existen.

Danza en Le Moulin de la Galette — Pierre-Auguste Renoir, 1876

Danza en Le Moulin de la Galette representa a Renoir en su faceta más alegre. Presenta una escena de parisinos bailando y socializando en un café-jardín, con la luz moteada del sol filtrándose entre los árboles y reflejándose en las superficies de los sombreros, las copas y los rostros sonrientes. El cuadro te hace sentir feliz con solo mirarlo. Actualmente se encuentra en el Musée d'Orsay.

El almuerzo de los remeros — Renoir, 1881

Como obra compañera en espíritu de Moulin de la Galette, El almuerzo de los remeros muestra a un grupo de amigos de Renoir —artistas, escritores y miembros de la alta sociedad— reunidos alrededor de una mesa después de una mañana en el agua. Es una de las pinturas más alegres de la historia y uno de los mejores ejemplos del arte impresionista.

Almuerzo sobre la hierba — Édouard Manet, 1862–1863

Almuerzo sobre la hierba causó un escándalo cuando se expuso por primera vez. Una mujer desnuda se sienta despreocupadamente con dos hombres completamente vestidos en un parque y mira directamente al espectador sin ningún pudor. El establishment académico se indignó.

Pero a Manet no le interesaban la mitología ni la alegoría; solo quería pintar la vida moderna real, con toda su extraña complejidad social. Actualmente, la pintura está reconocida como una de las obras fundamentales en la transición del arte clásico al moderno.

En el café L'Absinthe — Edgar Degas, 1876

Degas tenía un don para capturar la melancolía de la vida moderna, y En el café L'Absinthe es quizá su obra más inquietante. Una mujer está sentada a la mesa de un café, con un vaso de absenta delante, mirando al vacío con una expresión de absoluta desconexión.

La composición es deliberadamente incómoda, con las figuras desplazadas hacia un lado y la mesa flotando en un ángulo extraño, lo que crea una sensación de inquietud muy contemporánea.

5. Posimpresionismo y expresionismo

La noche estrellada — Vincent van Gogh, 1889. MoMA, Nueva York

Vincent van Gogh pintó en 1889 esta escena nocturna iluminada por la luna, basada en la vista que contemplaba durante el día, mientras se alojaba en un hospital psiquiátrico de Saint Rémy. A la derecha se ve parte del edificio, más allá del cual tenía una vista amurallada de los campos de trigo. La noche estrellada es una de las obras más emblemáticas de la historia del arte occidental por su poderoso dinamismo emocional y psicológico y su vibrante colorido.

Girasoles — Van Gogh, 1888

La vibrante serie de girasoles de Van Gogh, pintada en 1888, exalta el color, la vida y la camaradería artística. Se encuentra entre sus obras más emblemáticas.

Un gran trozo de césped — Albrecht Dürer

Aunque pertenece a una época anterior, Un gran trozo de césped de Albrecht Dürer merece mencionarse por su espíritu posimpresionista de observar la naturaleza con una intensidad obsesiva. Pintada en 1503, representa un macizo de hierba, malas hierbas y un diente de león, plasmados con un detalle microscópico.

Es uno de los primeros estudios de paisaje puros del arte occidental, y su atención científica al mundo natural situó a Durero siglos por delante de su tiempo.

Autorretrato con la oreja vendada — Van Gogh, 1889

Van Gogh pintó esta obra en 1889 tras su famoso colapso, y muestra su resiliencia y vulnerabilidad con una franqueza extraordinaria.

¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos? — Paul Gauguin, 1897

Gauguin pintó esta obra enorme en Tahití después de abandonar Europa, y la consideraba su obra maestra. El título plantea una meditación sobre la existencia humana: el nacimiento en un extremo del lienzo, la vejez en el otro y, en el centro, una figura que se estira para recoger fruta de un árbol.

Monte Sainte-Victoire — Paul Cézanne

Paul Cézanne pintó el monte Sainte-Victoire, la montaña cercana a su ciudad natal de Aix-en-Provence, más de sesenta veces durante la última década de su vida. En cada versión, llevó más lejos la geometría del paisaje, descomponiendo la montaña en planos de color que anticiparon el cubismo. Cézanne dijo célebremente que quería «rehacer a Poussin a partir de la naturaleza», y estas pinturas representan su investigación más sostenida sobre cómo el ojo percibe realmente la profundidad y la forma.

6. Obras maestras modernas y del siglo XX

Guernica — Pablo Picasso, 1937

Guernica es la pintura políticamente más poderosa del arte moderno. Picasso la creó como respuesta al bombardeo nazi de la localidad vasca de Guernica durante la Guerra Civil española. La pintura es una cacofonía de figuras que gritan, un caballo moribundo, una madre que llora y fragmentos de cuerpos.

Está expuesta en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde permaneció durante décadas bajo condiciones especiales: durante muchos años, Picasso se negó a permitir su regreso a España mientras Franco estuviera en el poder.

Las señoritas de Aviñón — Picasso, 1907

Si Guernica es el testamento moral de Picasso, Las señoritas de Aviñón es su terremoto artístico. La pintura representa a cinco mujeres desnudas plasmadas en un estilo fragmentado y angular que rompió por completo con toda la tradición occidental del desnudo.

Las máscaras africanas e ibéricas influyeron en Picasso, y el resultado fue una obra tan radical que incluso sus amigos más cercanos quedaron conmocionados. Se considera ampliamente el documento fundacional del cubismo y una de las pinturas más famosas de la historia. Está expuesta en el MoMA de Nueva York.

La persistencia de la memoria (Relojes derretidos) — Salvador Dalí, 1931

En un pequeño lienzo apenas más grande que una hoja de papel, Salvador Dalí creó una de las obras de arte más reconocibles de inmediato del siglo XX. Afirmó haberla pintado después de contemplar un trozo de queso Camembert derretido. Sea cierto o no, la imagen quedó grabada en la imaginación colectiva y nunca desapareció. Está expuesta en el MoMA de Nueva York.

El hijo del hombre — René Magritte, 1964

René Magritte estaba fascinado por el ocultamiento, y El hijo del hombre es su meditación más famosa sobre esa idea. Un hombre con sombrero de bombín y abrigo está de pie ante un muro bajo; una manzana verde flotante oculta por completo su rostro. Es divertida, extraña y filosóficamente aguda.

Gótico estadounidense — Grant Wood, 1930

Gótico estadounidense es una de las pinturas más reconocidas del arte estadounidense. Un hombre serio que sostiene una horca y una mujer están delante de una casa de campo con una característica ventana gótica. Sus expresiones han sido objeto de debate desde entonces. ¿Son un granjero y su esposa? ¿O un padre y su hija? La pintura se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago.

Noctámbulos — Edward Hopper, 1942

Noctámbulos es la pintura por excelencia sobre la soledad estadounidense. Cuatro figuras en un restaurante a altas horas de la noche (una pareja, un hombre solo de espaldas a la ventana y un camarero detrás del mostrador) están iluminadas por una dura luz fluorescente contra la oscura calle de la ciudad exterior.

Hopper capturó el aislamiento en el corazón de la vida urbana moderna con una claridad que ha convertido esta imagen en una de las más reproducidas del arte estadounidense. Está expuesta en el Instituto de Arte de Chicago.

Latas de sopa Campbell — Andy Warhol, 1962

La serie de Andy Warhol de 1962 elevó productos de consumo cotidianos a la categoría de bellas artes, redefiniendo la relación entre el arte y la cultura popular. En la obra, Warhol se preguntaba qué hacía que el «arte» fuera arte y por qué una lata de sopa no merecía tanta contemplación como una Madonna renacentista. Las obras se encuentran ahora en el MoMA, y la pregunta que plantearon nunca ha recibido una respuesta definitiva.

N.º 31 — Jackson Pollock, 1950

El n.º 31 de Jackson Pollock es una de las obras definitorias del expresionismo abstracto. Pollock colocaba sus lienzos en el suelo y dejaba gotear, vertía y lanzaba pintura sobre la superficie en un proceso que describió como un gesto puro. El resultado es una densa red de líneas superpuestas que recompensa la observación prolongada. Está expuesta en el MoMA de Nueva York.

El mundo de Christina — Andrew Wyeth, 1948

El mundo de Christina es simultáneamente una de las pinturas más queridas y más inquietantes del arte estadounidense. La pintura combina realismo y misterio, y la figura que se extiende a través del campo se ha convertido en un icono del anhelo y la determinación. La pintura se encuentra en el MoMA, y su combinación de belleza y melancolía es inolvidable.

El beso — Gustav Klimt, 1907–1908

El beso de Gustav Klimt está cubierto de pan de oro, patrones decorativos y formas ondulantes que se sitúan entre lo figurativo y lo abstracto. Está expuesto en el Museo Belvedere de Viena, y se pueden encontrar reproducciones en apartamentos y residencias estudiantiles de todo el mundo.

Autorretrato con collar de espinas y colibrí — Frida Kahlo, 1940

Frida Kahlo pintó Autorretrato con collar de espinas y colibrí durante uno de los periodos más dolorosos de su vida. Un gato negro se posa sobre un hombro y un mono sobre el otro; un collar de espinas le hace sangrar el cuello. Kahlo transformó su dolor en arte con una franqueza que sigue conmoviendo profundamente al público de todo el mundo.

Composición con rojo, azul y amarillo — Mondrian, 1930

La Composición con rojo, azul y amarillo de Piet Mondrian parece sencilla: un lienzo blanco dividido por líneas negras en campos rectangulares, tres de los cuales están rellenos de rojo, azul y amarillo.

Pero Mondrian pasó años trabajando en el equilibrio preciso de esta composición, convencido de que buscaba una armonía visual universal bajo la superficie del mundo visible. La influencia de esta y otras obras similares en el diseño gráfico, la moda y la arquitectura es incalculable.

7. Retratos icónicos que vale la pena conocer

Retrato de Enrique VIII

Hans Holbein el Joven creó en 1537 la imagen definitiva del poder Tudor con este mural, que representaba a Enrique flanqueado por su padre y su hijo. Destruido poco después de su finalización, el boceto del mural se volvió tan icónico que aún define la imagen de Enrique en la actualidad.

Madame X — John Singer Sargent, 1884. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

El retrato de Madame X realizado por John Singer Sargent en 1884 provocó un escándalo en París. Hoy se celebra por su elegancia sobria, su acabado impecable y su magistral pincelada.

Napoleón cruzando los Alpes — Jacques-Louis David, 1801. Palacio de Versalles

Jacques-Louis David convirtió un rutinario cruce militar en propaganda heroica en esta obra maestra de 1801.

El niño azul — Thomas Gainsborough, 1770

El retrato de 1770 de Thomas Gainsborough es una obra maestra del arte británico, celebrada por su color resplandeciente y su aplomo sereno.

Perros jugando al póquer — Cassius Coolidge, 1894–1903

La serie de pinturas humorísticas de Cassius Coolidge, creada entre 1894 y 1903, es más conocida por su extraordinaria ubicuidad que por cualquier mérito artístico en particular. Y el hecho de que hayan seguido siendo tan populares hasta hoy demuestra que la historia del arte también tiene sentido del humor.

Pinturas famosas de los artistas más icónicos

Algunos artistas han creado obras de arte tan impresionantes que con el tiempo se convierten en nombres conocidos por todos. Toda su obra contiene obras maestras. Pertenecen a la categoría de genios y, cuando hablamos de historia, tendemos a utilizar su obra como nuestra línea del tiempo.

• Pinturas famosas de Leonardo da Vinci: La Mona Lisa, La última cena, El hombre de Vitruvio, La dama del armiño y Salvator Mundi
• Pinturas famosas de Vincent van Gogh: La noche estrellada, Girasoles, Iris, Autorretrato con la oreja vendada y El dormitorio.
• Arte famoso de Pablo Picasso: Guernica, Las señoritas de Aviñón, La mujer que llora, Muchacha ante un espejo, Tres músicos
• Pinturas famosas de Claude Monet: Impresión, sol naciente, Nenúfares, Mujer con sombrilla, serie de la Catedral de Ruan, Almiares.
• Pinturas famosas de Johannes Vermeer: La joven de la perla, La lechera, Vista de Delft, Mujer sosteniendo una balanza y Muchacha leyendo una carta ante una ventana abierta.
• Pinturas famosas de Rembrandt: La ronda de noche, La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, El regreso del hijo pródigo, Autorretrato con dos círculos

Pinturas famosas por movimiento artístico

Movimiento artístico	Época	Pintura clave	Artista
Renacimiento	Siglos XV–XVII	Mona Lisa	Leonardo da Vinci
Barroco	Siglo XVII	La ronda de noche	Rembrandt
Romanticismo	Principios del siglo XIX	La libertad guiando al pueblo	Eugène Delacroix
Impresionismo	Finales del siglo XIX	Impresión, sol naciente	Claude Monet
Posimpresionismo	Finales del siglo XIX	La noche estrellada	Vincent van Gogh
Surrealismo	Principios del siglo XX	La persistencia de la memoria	Salvador Dalí
Arte moderno	Década de 1900	Guernica	Pablo Picasso

¿Dónde puedes ver estas pinturas famosas?

Muchas de las mejores obras maestras del mundo —que nos dicen que vayamos a ver— se encuentran en museos que merecen una visita por derecho propio. No solo puedes apreciar en persona la escala, la textura y el color de una pintura, sino que a menudo encontrarás otras obras en el museo que te encantarán tanto como esa.

El Louvre de París alberga la Mona Lisa, La libertad guiando al pueblo y tesoros y más tesoros desde la antigüedad hasta el siglo XIX.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York alberga La noche estrellada, Las señoritas de Aviñón, Latas de sopa Campbell y muchas otras obras definitorias de la modernidad. Es una visita obligada para cualquiera que tenga interés en el arte moderno.

La Galería Uffizi de Florencia te lleva de viaje por el Renacimiento con El nacimiento de Venus y obras de Botticelli, Leonardo y Miguel Ángel.

El Museo del Prado de Madrid alberga Las meninas, El jardín de las delicias, además de obras maestras de Goya, Velázquez y El Greco.

El Rijksmuseum de Ámsterdam alberga La ronda de noche y otras obras de la Edad de Oro neerlandesa. Los Girasoles, El retrato de Giovanni Arnolfini y una de las colecciones de arte europeo más extensas del planeta se encuentran en la National Gallery de Londres.

Y el Musée d'Orsay de París cuenta con una excepcional colección de pinturas impresionistas y posimpresionistas de artistas como Monet, Renoir, Degas y Van Gogh.

Juntas, estas instituciones protegen muchas de las pinturas más importantes de la historia.

Da vida a una obra maestra famosa con pintura por números

Admirar estas obras maestras desde detrás de la cuerda de un museo es una cosa, pero adquieres una apreciación completamente nueva por una obra de arte célebre cuando la recreas tú mismo. Mientras pintas, empezarás a notar todas las decisiones que intervinieron en la creación de la obra maestra, ya se trate de las relaciones de color, la composición o las pinceladas.

Canvas by Numbers crea kits inspirados en algunas de las mejores obras de arte, como La noche estrellada, Nenúfares, El beso y El ladrón de fresas. Tanto si eres principiante como si tienes experiencia pintando, estos kits hacen que la historia del arte cobre vida de una manera práctica y maravillosa.

También resulta verdaderamente terapéutico dedicar un poco de tiempo cada día a crear algo hermoso con tus propias manos. Después de unos días, te alejarás y te sorprenderá todo lo que eres capaz de crear.

Preguntas frecuentes

1. ¿Cuál es la pintura más famosa del mundo?
La Mona Lisa es posiblemente la pintura más famosa del mundo, gracias a su sonrisa icónica, su fascinante historia y su importancia en el mundo del arte.

2. ¿Cuál es la pintura más cara que se ha vendido?
Salvator Mundi, de Leonardo da Vinci, se convirtió en la pintura más cara jamás vendida en una subasta cuando alcanzó los 450,3 millones de dólares en 2017.

3. ¿Qué define a una pintura famosa?
La innovación artística, la importancia histórica y la continua difusión de una historia cautivadora contribuyen a transformar cualquier pintura en un icono.

4. ¿Cuáles son las pinturas más emblemáticas de Van Gogh?
La noche estrellada, Girasoles, Lirios, La habitación y Autorretrato con la oreja vendada se encuentran entre sus obras más famosas.

5. ¿Cuáles son las pinturas impresionistas más famosas?
Impresión, sol naciente, Nenúfares, Baile en el Moulin de la Galette y Un domingo por la tarde en la isla de la Grande Jatte

6. ¿Dónde se conserva la Mona Lisa?
La Mona Lisa se encuentra en el Museo del Louvre de París, y millones de personas van a verla cada año.

7. ¿Cuál es la pintura más antigua que todo el mundo conoce?
Una de las pinturas sobre tabla más antiguas y famosas es El retrato de los Arnolfini, de Jan van Eyck (1434), pero las pinturas rupestres prehistóricas se remontan a mucho antes.

8. ¿Cuáles son algunas de las pinturas más famosas de Estados Unidos?
American Gothic, Nighthawks y Christina's World — innumerables obras maestras del MoMA se cuentan entre las más famosas de Estados Unidos.