Wichtigste Erkenntnisse
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15 Gemälde haben es auf diese Liste geschafft und erstrecken sich über hundert Jahre, von Botticellis Florenz bis zu Dalís Spanien. fast fünf
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Die Mona Lisa, „Die Sternennacht“ und „Guernica“ stehen an der Spitze der meisten Ranglisten, größtenteils dank die Geschichten dahinter.
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Salvator Mundi hält den Rekord für das wertvollste je verkaufte Gemälde jemals verkauft, für 450,3 Millionen Dollar im Jahr 2017.
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Fette, einfache Farbe Blöcke wie bei „Die Sternennacht“ und „American Gothic“ lassen sich am besten in Paint-by-Number- Zahlen Projekte.
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Du wirst Die meisten dieser Werke findet man in einer Handvoll bedeutender Museen, darunter der Louvre, das MoMA, der Prado und das Rijksmuseum.
Jedes Gemälde, das heute in einem Museum hängt, begann als private Idee im Kopf eines Menschen. Meist nahmen diese Ideen in einem zugigen Atelier, einem gemieteten Zimmer oder, im Fall van Goghs, in einem Anstaltsgarten Gestalt an. Deshalb wird über ein großartiges Gemälde noch Jahrhunderte nach dem Trocknen der Farbe gesprochen. In ihnen stecken Klatsch, Trauer und offenes Drama – direkt in die Farbe eingebrannt.
Sobald du die Hintergrundgeschichte kennst, kannst du sie nicht mehr übersehen. Die die Geschichten hinter berühmte Gemälde eine stille Galeriewand in etwas verwandeln, das eher einer Seifenoper gleicht. Hier sind 15 der ikonischsten Werke, die je gemalt wurden, was bei ihrer Entstehung geschah und welche du auf deiner eigenen Leinwand nachbilden könntest.
Inhaltsverzeichnis
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15 ikonische Gemälde, die du definitiv schon einmal gesehen hast
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Die Renaissance-Ikonen, die noch immer Besucher anziehen
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Barocke Dramatik und Hofleben
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Gemälde, die unsere Sicht auf Emotionen veränderten
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Der Impressionismus und das Gemälde, das einer Bewegung ihren Namen gab
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modernen Meisterwerken Mit eine Botschaft
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Stille Porträts Mit Große Geschichten
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Was diese ikonischen Werke tatsächlich gemeinsam haben
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Diese Meisterwerke selbst nachmalen
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Häufig gestellte Fragen
15 ikonische Gemälde, die du definitiv schon einmal gesehen hast
Einige davon brauchten Jahre zur Fertigstellung, eines nur fünf Wochen, und über alle fünfzehn wird noch immer gesprochen.
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Mona Lisa, Leonardo da Vinci, 1503 bis 1506, Louvre, Paris
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Das letzte Abendmahl, Leonardo da Vinci, 1495 bis 1498, Santa Maria delle Grazie, Mailand
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Die Geburt der Venus, Sandro Botticelli, um 1485, Uffizien, Florenz
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Las Meninas, Diego Velázquez, 1656, Museo del Prado, Madrid
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Die Nachtwache, Rembrandt, 1642, Rijksmuseum, Amsterdam
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Der Schrei, Edvard Munch, 1893, Nationalmuseum Norwegen, Oslo
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Die Sternennacht, Vincent van Gogh, 1889, MoMA, New York
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Der Kuss, Gustav Klimt, 1907 bis 1908, Belvedere-Museum, Wien
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Impression, Sonnenaufgang, Claude Monet, 1872, Musée Marmottan Monet, Paris
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Seerosen, Claude Monet, 1897 bis 1926, Musée de l’Orangerie, Paris
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Guernica, Pablo Picasso, 1937, Museo Reina Sofía, Madrid
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Die Beständigkeit der Erinnerung, Salvador Dalí, 1931, MoMA, New York
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American Gothic, Grant Wood, 1930, Art Institute of Chicago
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Das Mädchen mit dem Perlenohrring, Johannes Vermeer, um 1665, Mauritshuis, Den Haag
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Whistlers Mutter, James McNeill Whistler, 1871, Musée d’Orsay, Paris
Die Renaissance-Ikonen, die noch immer Besucher anziehen
Die Renaissance machte die Malerei zu einem Statussymbol, und diese drei berühmte Gemälde sind ein Beweis dafür, dass Menschen immer noch um die Welt reisen, um vor ihnen zu stehen.
Mona Lisa
Leonardo da Vinci brauchte Jahre, um die Mona Lisa, das er um 1503 als Porträt von Lisa Gherardini, der Ehefrau eines florentinischen Kaufmanns, begann und das er der Familie, die wahrscheinlich bezahlt dafür bezahlt. Jahrhunderte danach hing es im Louvre als angesehenes, aber nicht besonders berühmtesten Kunstwerke. Dann, im August 1911, ein Handwerker ein Handwerker namens Vincenzo Peruggia schraubte es von der Wand ab und verschwand damit für mehr als zwei Jahre. Die Zeitungen konnte nicht aufhören, den leeren Platz zu verdecken, an dem es einst hing, und das Gemälde war nie wieder gewöhnlich.
Das Letzte Abendmahl
Gemälde Das Letzte Abendmahl direkt auf die Wand eines Speisesaals war nicht Leonardos beste technische Entscheidung. Zwischen 1495 und 1498 verwendete er in Santa Maria delle Grazie in Mailand eine experimentelle Mischung aus Tempera und Öl statt echter Freskotechnik, und die Farbe begann schon bald abzublättern. Restauratoren haben das Werk unzählige Male ausgebessert, unter anderem einmal, nachdem ein Bombenangriff 1943 das Gebäude ringsum beschädigt hatte. Noch immer trifft es genau den Moment, in dem jeder Apostel auf die Ankündigung des Verrats durch Christus reagiert.
Die Geburt der Venus
Um 1485 malte Sandro Botticelli, der höchstwahrscheinlich für ein Mitglied der Medici-Familie, malte fast lebensgroß eine nackte Göttin, die auf einer von den Windgöttern ans Ufer gewehten Muschelschale ankommt – einer der ersten großformatigen mythologischen Akte, die die westliche Kunst seit der Antike gesehen hatte. Die Uffizien stellen das Werk seit Jahrhunderten aus, und ist es noch immer eines der am häufigsten reproduzierten Bilder der Kunstgeschichte.
Barocke Dramatik und Hofleben
Ein Jahrhundert später standen Hofmaler vor einem anderen Problem: Sie mussten königliche Familien zugleich bedeutend und menschlich wirken lassen.
Las Meninas
Las Meninas ist ein ungewöhnliches Werk. Diego Velázquez malte es 1656 als Porträt des spanischen Königshofs, doch die junge Infantin Margarita nimmt Mitte Bühne, während Velázquez sich seitlich selbst malt und an einer Leinwand arbeitet, die wir nie zu sehen bekommen. Ein Spiegel an der Rückwand spiegelt den König und die Königin wider, was darauf hindeutet, sie der genau dort steht, wo wir, die Betrachter, stehen. Seit Jahrhunderten wird darüber gestritten, wer auf wen schaut.
Die Nachtwache
Die Nachtwache ist es nicht sogar sein tatsächlicher Name. Rembrandt vollendete das Gruppenporträt 1642 für eine Amsterdamer Bürgerwehr, und der eigentliche Titel ist ein ganzer Satz. Das Besondere war die Bewegung; er malte die Wachen mitten im Schritt, die Musketen erhoben und ein Trommler mitten im Schlag, statt in der üblichen steifen Reihe. Es ist zwei separate Messerangriffe und einen Säureangriff überstanden, und das Rijksmuseum betreibt inzwischen ein öffentliches, verglastes Restaurierungsprojekt, bei dem Besucher die Reparaturarbeiten beobachten können.
Gemälde, die unsere Sicht auf Emotionen veränderten
Die nächsten Gemälde haben nichts mit dem Hofleben zu tun. Sie spiegeln wider, was sich im Inneren des Künstlers abspielte – und das war nicht immer eine angenehme Erfahrung.
Der Schrei
Edvard Munch sagte, die Idee für Der Schrei kam ihm bei einem Spaziergang bei Sonnenuntergang nahe Oslo, als sich der Himmel blutrot färbte und er, wie er selbst sagte, einen Schrei durch die gesamte Natur gehen fühlte. Zwischen 1893 und 1910 malte er mehrere Versionen, von denen zwei tatsächlich gestohlen, einmal 1994 und erneut 2004. Die Ermittler bekamen beide zurück. Inzwischen sind der wirbelnde Himmel und die hohle, schreiende Gestalt zu einem der meistparodierten Bilder der berühmtesten Kunstwerke, was ein merkwürdiges Schicksal für ein Gemälde über pure Panik ist.
Die Sternennacht
Van Gogh malte Die Sternennacht im Juni 1889, und er war nicht beim Malen nicht die tatsächliche Ansicht vor Augen hatte. Er war freiwilliger Patient im Saint-Paul-de-Mausoleum damals in einer Heilanstalt nahe Saint-Rémy und arbeitete laut in den eigenen veröffentlichten Notizen des MoMA. Er erzählte seinem Bruder Theo, dass ihm das Malen während einer der schwierigsten Phasen seines Lebens Halt gab. Das MoMA erwarb das Werk 1941.
Der Kuss
Zwischen 1907 und 1908 malte Gustav Klimt Der Kuss während die Goldblattperiode, die ihn berühmt machte, eine Gewohnheit, die er von seinem Vater übernommen hatte, der als Goldschmied arbeitete. Das Paar im Gemälde steht eng umschlungen am Rand einer mit Blumen bewachsenen Klippe; die gemusterten Gewänder verschwimmen so vollständig, dass ist es schwer zu erkennen, wo die eine Figur endet und die andere beginnt. Das Belvedere-Museum kaufte es direkt aus der Ausstellung von 1908, in der es erstmals gezeigt wurde, und seitdem hat es das Museum praktisch nie verlassen.
Der Impressionismus und das Gemälde, das einer Bewegung ihren Namen gab
Eine Handvoll Maler, die in Paris arbeiteten, hatte genug vom steifen Atelierrealismus und nahm stattdessen ihre Staffeleien mit nach draußen, wo sie schnell und locker arbeiteten. Kritiker hassten das anfangs größtenteils.
Impression, Sonnenaufgang
1872 malte Claude Monet eine verschwommene Ansicht von Le Havre Hafen bei Tagesanbruch mit lockeren, schnellen Pinselstrichen und nannte es Impression, Sonnenaufgang. Ein Kritiker, der die Ausstellung besprach, war nicht beeindruckt und verwendete das Wort „Impressionist“ als Beleidigung für die gesamte Gruppe, die neben Monet ausstellte. Es ging nach hinten los. Der Name blieb, die Maler nahmen ihn für sich an, und eine ganze Bewegung wurde nach einem verschwommenen Hafen Szene.
Seerosen
In den letzten drei Jahrzehnten seines Lebens verließ Monet kaum noch seinen eigenen Garten. Er malte den Teich in Giverny immer wieder zu dem wurde, was später die Seerosen Serie, etwa 250 Male, unter allen Jahreszeiten und Lichtverhältnissen, die er einfangen konnte. Katarakte beeinträchtigten während des größten Teils dieser Zeit sein Sehvermögen, und das zeigt sich in der zunehmend lockeren, beinahe abstrakten Pinselführung seiner späteren Leinwände. Mehrere der größten Seerosenbilder hängen heute in einem eigens dafür gebauten ovalen Raum in der Orangerie in Paris, so angeordnet, dass du bist auf allen Seiten von Wasser umgeben.
modernen Meisterwerken Mit eine Botschaft
Im zwanzigsten Jahrhundert hatten viele Maler aufgehört, überhaupt noch der Schönheit nachzujagen. Stattdessen übernahmen Krieg, Politik und ihr eigenes Unterbewusstsein.
Guernica
1937 bombardierten Kriegsflugzeuge während des Spanischen Bürgerkriegs die baskische Stadt Guernica. Picasso reagierte mit einer Leinwand, die so groß war, dass sie kaum in einen Raum passte. Für den Spanischen Pavillon auf der Pariser Weltausstellung vollendete er sie in etwa fünf Wochen und verzichtete dabei Farbe vollständig und malte die schreienden Figuren, das sterbende Pferd und den über dem Chaos aufragenden Stier ausschließlich in Schwarz, Weiß und grau. Heute hängt es im Museo Reina Sofía in Madrid.
Die Beständigkeit der Erinnerung
Die Beständigkeit der Erinnerung ist kaum größer als ein Notizbuch, was fast jeder der es zum ersten Mal persönlich sieht. Dalí malte es 1931 und drapierte schmelzende Taschenuhren über eine karge, traumartige Landschaft. Später behauptete er, die Idee sei ihm beim Beobachten eines im Sonnenlicht schmelzenden Camemberts gekommen. Das MoMA hat es seitdem nahezu durchgehend ausgestellt erwarb es 1934.
American Gothic
Grant Wood entdeckte 1930 in Eldon, Iowa, ein kleines Bauernhaus mit einem ungewöhnlichen Fenster im neugotischen Stil und begann sich zu fragen, wer darin wohl leben könnte. Er malte American Gothic kurz darauf, wobei er seinen Zahnarzt Dr. Byron McKeeby und seine Schwester Nan Wood Graham bat, als der strenge Farmer und seine Tochter zu posieren – natürlich mit Mistgabel.
Im selben Jahr reichte er es bei der Jahresausstellung des Art Institute of Chicago ein, gewann einen Preis von dreihundert Dollar, und anschließend überzeugte ein Mäzen das Art Institute, es für die Dauerausstellung zu behalten – wohl eine der besseren Investitionsrenditen der Kunstgeschichte.
Stille Porträts mit großen Geschichten
Nicht jedes dieser ikonischen Gemälden muss laut sein. Einige von ihnen beziehen ihre Wirkung gerade aus dem, was sie nicht zeigen, und beide hier dargestellten Frauen werden in ein Werk über Frauen in der Kunstgeschichte.
Das Mädchen mit dem Perlenohrring
Niemand weiß, wer das Mädchen in Das Mädchen mit dem Perlenohrring war – und genau das ist der Punkt. Vermeer malte sie um 1665 als sogenannte Tronie, einen Stil, der auf einem erdachten oder allgemein gehaltenen Gesicht statt auf dem Porträt eines zahlenden Auftraggebers beruht. Genau deshalb ist kein Name von ihr überliefert. Die übergroße Perle, der gedrehte Kopf und die leicht geöffneten Lippen brachten ihr den Spitznamen „Mona Lisa der Niederlande“ ein. Das Mauritshuis besitzt das Gemälde seit 1902.
Whistlers Mutter
Whistler wollte kein sentimentales Tributbild seiner Mutter malen. Er nannte das Porträt von 1871 Arrangement in Grey and Black No. 1, weil er es als Studie der Komposition und nicht der Gefühle betrachtete. Berichten zufolge saß Anna nur deshalb dafür Modell, weil sein ursprüngliches Modell abgesagt hatte. Das strenge Seitenprofil vor einer kahlen Wand ist zu einem der bekanntesten Porträts der amerikanischen Kunst geworden, obwohl es sich seit 1891 im Musée d’Orsay in Paris befindet.
Diese Meisterwerke selbst nachmalen
Du nicht Du brauchst keinen Kunstabschluss, um eines dieser Bilder an deine eigene Wand zu bringen. Canvas by Numbers verwandelt berühmte Gemälde in nummerierte Sets mit vorgemischten Farben um, und neun der fünfzehn hier vorgestellten Werke sind bereits als eines erhältlich.
Für einfache berühmte Gemälde zum Nachmalen, beginne mit kräftigen, kontrastreichen Motiven wie Die Sternennacht, American Gothic und Seerosen. Bestelle das Set-Version von deinem Lieblings- heute und verwandle eine dieser fünfzehn Geschichten in etwas, das du selbst gemalt hast.
Häufig gestellte Fragen
Welche sind die berühmtesten Gemälde der Geschichte?
Namen wie die Mona Lisa, Die Sternennacht, Guernica und Die Geburt der Venus stehen in solchen Ranglisten meist ganz oben, vor allem, weil jedes dieser Werke die Wahrnehmung von Kunst, Politik oder Gefühlen verändert hat.
Wer malte die Mona Lisa?
Leonardo da Vinci malte die Mona Lisa in Florenz und später in Amboise und verfeinerte sie etwa etwa 16 Jahre bis zu seinem Tod im Jahr 1519.
Was macht ein Gemälde berühmt?
Ein Gemälde wird meist durch eine Mischung aus technischem Können, einer wahren Geschichte dahinter, einem dramatischen Ereignis wie einem Diebstahl und genügend Zeit in einem bedeutenden Museum berühmt, sodass Millionen Menschen es sehen können.
Welche Geschichte steckt hinter Die Sternennacht?
Van Gogh malte Die Sternennacht 1889 aus dem Gedächtnis in einer Anstalt nahe Saint-Rémy und verwandelte den Blick aus seinem Fenster während einer schwierigen Lebensphase in einen wirbelnden Himmel.
Welche berühmten Gemälde lassen sich am einfachsten nachmalen?
Werke mit kräftigen Umrissen und flachen Farbflächen, wie Die Sternennacht, American Gothic und Seerosen, lassen sich leichter nachmalen als Porträts wie Das Mädchen mit dem Perlenohrring oder Las Meninas.
Wo kann ich diese Gemälde sehen?
Die meisten befinden sich in bestimmten Museen, darunter der Louvre, das MoMA, der Prado, das Rijksmuseum und die Uffizien.
Welche Gemälde sind die wertvollsten, die jemals verkauft wurden?
Salvator Mundi, Leonardo da Vinci zugeschrieben, hält den Rekord: Das Gemälde wurde laut Britannica 2017 bei einer Auktion von Christie’s für 450,3 Millionen US-Dollar verkauft.
Welche berühmten Gemälde eignen sich für Malen nach Zahlen?
Gemälde mit großen Farbfeldern und klaren Formen, wie Die Sternennacht, Der Kuss und American Gothic, eignen sich am besten als Mal-nach-Zahlen-Projekte, da die Bereiche groß und verzeihend bleiben.
Aus welcher Epoche stammen die meisten berühmten Gemälde?
Die meisten stammen aus zwei Zeiträumen: der Renaissance und dem Barock vom 15. bis zum 17. Jahrhundert sowie der Abfolge von Kunstrichtungen zwischen Impressionismus und Surrealismus von etwa 1870 bis 1940.
Wie kann ich selbst ein berühmtes Meisterwerk malen?
Am direktesten gelingt das mit einem Canvas-by-Numbers-Mal-nach-Zahlen-Set, da es die Umrisse und die Nummern jedes Bereichs bereits passend zu einer Farbe aufdruckt. Farbe, also du bist eine bereits kartierte Version des Originals ausfüllen.
