Oltre 50 tra i dipinti più famosi della storia e cosa li rende senza tempo

Che cosa fa sì che un’opera d’arte rimanga con noi a lungo?

Come fanno alcuni dipinti ad acquisire una forza estetica apparentemente primordiale, di cui generazioni di amanti dell’arte non sembrano mai saziarsi?

I dipinti più famosi del mondo si sono guadagnati il loro status catturando emozioni umane universali, tecniche artistiche rivoluzionarie o momenti storici cruciali.

Queste opere restano attuali perché affrontano temi senza tempo come l’amore, la paura, la bellezza, la mortalità e persino la guerra; temi che risuonano attraverso i secoli. Inoltre catturano la nostra attenzione e la nostra immaginazione, invitandoci a osservarle di nuovo, decennio dopo decennio.

In questa guida esploriamo oltre 50 dei dipinti più famosi al mondo. Dai capolavori del Rinascimento ai classici contemporanei, i seguenti dipinti famosi hanno mantenuto il loro posto nell’immaginario collettivo per secoli e continuano a farlo.

Che li si scopra per la prima volta o si ritorni ad ammirare vecchi preferiti, queste immagini iconiche riflettono alcuni dei più grandi traguardi dell’umanità, oltre ad alcune delle nostre debolezze.

Cosa rende un dipinto “famoso”?

Non tutti i grandi dipinti raggiungono uno status leggendario. Tuttavia, le opere più famose di tutti i tempi condividono spesso un insieme di qualità che le eleva al di sopra delle altre e le imprime nella coscienza collettiva.

Questi includono:

• La storia dietro un dipinto: Se un dipinto è accompagnato da una forte componente di mito, dramma o scandalo, è più probabile che rimanga nella memoria. Quando la Gioconda di Leonardo da Vinci fu rubata nel 1911, la notizia apparve sui giornali di tutto il mondo per anni. Al suo ritrovamento, il dipinto era diventato una celebrità globale.
• Maestria tecnica: Dipinti come La Creazione di Adamo o Las Meninas sono straordinari da ammirare, ma contengono anche alcune delle tecniche artistiche più avanzate e sottili, dalle quali gli artisti continuano ancora oggi a imparare. La pennellata, la composizione e l’uso della luce in queste opere rappresentano, letteralmente, il meglio che l’umanità sia riuscita a produrre.
• Risonanza culturale: I più grandi dipinti iconici catturano un momento della storia o dell'esperienza umana così perfettamente da mantenere una rilevanza duratura nel corso dei secoli. Guernica appare attuale se hai vissuto la violenza, indipendentemente da quando o dove. L'Urlo appare attuale se ti sei mai sentito sopraffatto dal trauma della vita moderna.
• Epoca immortalata: I grandi dipinti riescono in qualche modo a catturare qualcosa di senza tempo dell'epoca in cui sono stati realizzati. Riescono a fissare l'atmosfera o l'identità di un luogo in quel particolare momento della storia. Questo spiega in gran parte perché i più grandi capolavori continuano a emozionare generazioni successive.

I dipinti più famosi di tutti i tempi

Ecco i dipinti più famosi e i loro artisti, organizzati per epoca.

1. Capolavori del Rinascimento, Quattrocento–Seicento

La Gioconda — Leonardo da Vinci, 1503–1519. Louvre, Parigi

La Gioconda di Leonardo da Vinci, dipinta tra il 1503 e il 1519, è probabilmente il dipinto più famoso del mondo. Attualmente conservata al Museo del Louvre di Parigi, ricambia semplicemente lo sguardo dell'osservatore con il suo enigmatico sorriso.

Il dipinto divenne ancora più famoso dopo essere stato rubato nel 1911 e ritrovato due anni dopo. Un tempo Napoleone lo teneva appeso nella sua camera da letto; oggi, il suo valore assicurato è stimato tra oltre 700 milioni e 3 miliardi di dollari.

Ad oggi, la Gioconda rimane uno dei dipinti a olio più famosi mai realizzati.

L'Ultima Cena — Leonardo da Vinci, 1495–1498. Milano

L'Ultima Cena di Leonardo da Vinci, realizzata tra il 1495 e il 1498, raffigura il momento in cui Cristo dice ai suoi discepoli che uno di loro lo tradirà. Ammirato per la sua profondità emotiva e la perfezione tecnica, questo enigmatico dipinto continua sia a ispirare sia a lasciare perplessi gli spettatori.

Strati di simboli nascosti e messaggi segreti sono stati analizzati e scomposti per secoli. Nonostante il significativo deterioramento, è stata restaurata cinque volte per salvare questo capolavoro dall'oblio.

La Nascita di Venere — Botticelli, metà degli anni Ottanta del Quattrocento. Uffizi, Firenze

La Nascita di Venere di Sandro Botticelli, della metà degli anni Ottanta del Quattrocento, rimane una delle immagini più amate del Rinascimento italiano. Raffigura la dea Venere che emerge dal mare su una conchiglia. Una particolare pittura a tempera all'uovo su tavola ha contribuito a proteggere la sua superficie luminosa, quindi non sorprende che quest'opera sia sopravvissuta e risplenda seducentemente a distanza di sei secoli.

La Creazione di Adamo — Michelangelo, 1512

La volta della Cappella Sistina è una delle più grandi realizzazioni artistiche della storia dell’umanità e al suo centro si trova La Creazione di Adamo. Questo dipinto raffigura il momento in cui il dito di Dio si protende verso la mano tesa dell’uomo.

Ciò che rende straordinaria questa immagine non è solo la sua scala o la sua brillantezza tecnica, ma il fatto che sia stato uno dei primi dipinti della tradizione occidentale a raffigurare Dio stesso come una presenza visibile e fisica nella scena. Michelangelo dipinse la volta per quattro anni sdraiato sulle impalcature, soffrendo di dolori al collo e alla schiena che documentò nelle sue poesie.

La Scuola di Atene — Raffaello, 1509–1511

Dipinta nei Musei Vaticani come parte di una serie di affreschi per papa Giulio II, La Scuola di Atene è l’omaggio di Raffaello ai grandi pensatori dell’antica Grecia. Platone e Aristotele si trovano al centro, circondati da Pitagora, Socrate, Euclide e decine di altri.

In questo dipinto, Michelangelo appare nei panni del pensieroso Eraclito, seduto da solo su un gradino in primo piano. Il dipinto è una lezione magistrale di prospettiva e composizione architettonica e rimane una delle sale più spettacolari al mondo.

Ragazza con l’orecchino di perla — Vermeer, 1665

Spesso definita la «Monna Lisa del Nord», la Ragazza con l’orecchino di perla di Johannes Vermeer condivide qualcosa di essenziale con la sua controparte italiana: il soggetto ti guarda direttamente con un’espressione impossibile da interpretare con certezza.

Oggi conservato al Mauritshuis dell’Aia, fu acquistato per appena 2 fiorini nel 1881. Pochi dipinti dimostrano la quieta potenza della luce e dell’espressione con la stessa bellezza di questi.

Las Meninas — Velázquez, 1656

Las Meninas è esposta al Prado di Madrid e gli storici dell’arte discutono al riguardo fin da quando fu completata. Il dipinto sembra raffigurare la giovane infanta Margarita circondata dalle sue damigelle d’onore. Tuttavia, Velázquez stesso appare nella scena, con il pennello in mano, intento apparentemente a dipingere una grande tela il cui soggetto non possiamo vedere.

È ampiamente considerata la composizione filosoficamente più complessa dell’arte occidentale, poiché sfuma il confine tra soggetto e spettatore, pittore e dipinto. Michel Foucault ne ha scritto ampiamente. Pablo Picasso ne ha realizzato 58 variazioni. La sua influenza non si è mai esaurita.

Il Ritratto dei coniugi Arnolfini — Jan van Eyck, 1434

Questo è uno dei dipinti a olio più antichi e celebri mai realizzati. Il livello di dettaglio è pazzesco: lo specchio sulla parete di fondo riflette due minuscole figure, una delle quali probabilmente è lo stesso van Eyck; il lampadario contiene singole candele accese; persino il pelo del cane è raffigurato ciocca per ciocca.

Van Eyck fu uno dei primi pittori a padroneggiare davvero la pittura a olio come mezzo espressivo, e questo dipinto, esposto alla National Gallery di Londra, mostra cosa si può ottenere portandola all’estremo.

Il Giardino delle delizie terrene — Hieronymus Bosch, 1490–1510

Il Giardino delle delizie terrene fu dipinto da Hieronymus Bosch in un periodo compreso tra il 1490 e la sua morte, nel 1516. Il lussureggiante e fantastico trittico, ricco di paesaggi surreali, torri svettanti e creature grandi e piccole, è inquietantemente moderno.

Oggi conservato al Museo del Prado, il capolavoro è spesso celebrato come precursore del Surrealismo. Ma nessun dipinto ricompensa uno sguardo prolungato quanto questo.

2. Dipinti barocchi e classici (1600–1700)

La Ronda di notte di Rembrandt (1642)

La Ronda di notte è il dipinto che portò Rembrandt alla fama e, 400 anni dopo, rimane una delle opere barocche più celebri. Mostra una milizia nell’atto di sparare, guidata dal capitano Frans Banninck Cocq, ma ciò che lascia senza fiato è il suo dinamismo: queste non sono persone in posa per un ritratto. Sono in movimento e stanno per uscire nel mondo.

Il dipinto è esposto al Rijksmuseum di Amsterdam ed è enorme: è alto più di 11 piedi e largo quasi 14 piedi. È stato oggetto di tre attacchi, ogni volta restaurato con cura.

La lezione di anatomia del dottor Nicolaes Tulp — Rembrandt, 1632

Un decennio prima della Ronda di notte, Rembrandt creò questo ritratto di gruppo altrettanto affascinante. La lezione di anatomia del dottor Tulp raffigura una dissezione pubblica, una pratica comune nell’Amsterdam del XVII secolo.

A quel punto, le lezioni di anatomia erano eventi mondani, con il dottor Nicolaes Tulp che mostrava i muscoli di un avambraccio a una cerchia di osservatori affascinati.

Le figure si sporgono in avanti, con i volti che esprimono una gamma di reazioni, dal clinico interesse alla silenziosa meraviglia. È una delle raffigurazioni più coinvolgenti della curiosità scientifica nella storia dell’arte.

Ragazza che legge una lettera davanti a una finestra aperta — Vermeer

Il genio di Vermeer risiedeva nel catturare il mondo privato della vita quotidiana. Ragazza che legge una lettera davanti a una finestra aperta è un capolavoro di immobilità: una donna assorta nella lettura, il cui volto si riflette nel vetro, mentre la stanza intorno a lei è immersa nella fresca luce del Nord. Il dipinto di Vermeer dà l’impressione di raffigurare non un solo momento, ma diversi momenti che si svolgono contemporaneamente.

Giuditta che decapita Oloferne — Caravaggio, 1598–1599

La Giuditta che decapita Oloferne di Caravaggio non è per i deboli di cuore. Raffigura l’eroina biblica mentre sega via la testa del generale assiro Oloferne, e Caravaggio rende la scena con il suo caratteristico realismo brutale. Qui non c’è idealizzazione né una distanza aggraziata.

Il volto di Giuditta è risoluto e determinato. La violenza è scoraggiante nella sua crudezza. E offre uno dei tanti esempi di ciò che rese Caravaggio così innovativo e sconvolgente: usava persone comuni, alcune prese direttamente dalle strade di Roma, come modelli per le figure sacre.

La vocazione di San Matteo — Caravaggio

In una cappella buia di Roma, Caravaggio dipinse la chiamata del santo con un raggio di luce su un gruppo di uomini riuniti attorno a un tavolo. In quel fascio di luce, Cristo è raffigurato mentre chiama un esattore delle tasse a diventare apostolo. Il dipinto ridefinì l’arte europea attraverso l’uso drammatico di luce e ombra; l’ambientazione contemporanea e i volti comuni gli conferivano un carattere radicale.

3. Romanticismo e realismo (fine del Settecento–Ottocento)

La Libertà che guida il popolo — Eugène Delacroix, 1830

La Libertà che guida il popolo è l’immagine definitiva della rivoluzione. È una figura allegorica della Libertà, a seno nudo, che avanza su una barricata di cadaveri tenendo in mano una bandiera francese.

Delacroix lo dipinse in risposta alla Rivoluzione di luglio del 1830 e vi catturò sia l’idealismo romantico sia la sanguinosa realtà umana dei tumulti politici. Oggi è esposto al Museo del Louvre di Parigi e la sua figura centrale ha fornito da allora un modello per l’iconografia politica.

La zattera della Medusa — Théodore Géricault, 1818–1819

Nel 1816, una fregata della marina francese naufragò al largo della costa occidentale dell’Africa, lasciando più di 150 superstiti alla deriva su una zattera costruita in fretta. Quando furono soccorsi due settimane dopo, ne erano rimasti soltanto 15; i loro compagni erano morti di fame, violenza e cannibalismo.

Una veemente denuncia dell’incompetenza delle autorità nell’epoca post-napoleonica, La zattera della Medusa di Géricault suscitò scalpore internazionale quando fu esposta a Parigi nel 1819; oggi è magnificamente esposta accanto alle altre opere principali dell’artista al Louvre.

Viandante sul mare di nebbia — Caspar David Friedrich, 1818

Una figura solitaria sta su un precipizio, il volto nascosto da un cappello e la giacca dell’abito stretta contro il vento. Fissa un oceano di nuvole verso una catena montuosa, con le cime appena visibili attraverso la foschia.

Viandante sul mare di nebbia di Caspar David Friedrich è il Romanticismo nella sua forma più pura: mostra un uomo sovrastato dalla potenza della natura, imponente e capace di suscitare meraviglia. È ricondotto a se stesso e all’abisso del tempo, mentre lo spazio si apre verso l’infinito. È anche uno dei dipinti più immediatamente riconoscibili e amati emersi da quell’epoca.

Il 3 maggio 1808 — Francisco Goya, 1814

Francisco Goya dipinse Il 3 maggio 1808 sei anni dopo l’esecuzione di massa di civili spagnoli da parte delle forze di Napoleone a Madrid. La figura centrale, con le braccia spalancate in un gesto simile a quello di Cristo, illuminata da una lanterna contro l’oscurità, è di fronte a un plotone d’esecuzione.

È una delle più potenti denunce contro la guerra nella storia dell'arte. Picasso la citò come fonte d'ispirazione diretta per Guernica, oltre un secolo dopo.

La madre di Whistler — James Whistler, 1871

Formalmente intitolato Composizione in grigio e nero n. 1, La madre di Whistler è il ritratto non ufficiale della dignità materna nell'arte occidentale. Whistler dipinse sua madre, Anne, seduta di profilo contro una parete grigia, calma e composta. Oggi il dipinto è esposto al Musée d'Orsay di Parigi ed è stato riprodotto su francobolli, nei film e nelle pubblicità.

4. Impressionismo (anni 1860–1890)

Impressione, levar del sole — Claude Monet, 1872

Impressione, levar del sole è il dipinto che diede accidentalmente il nome a un movimento. Quando fu esposto nel 1874, un critico lo derise, dicendo che non era altro che un'"impressione". Gli artisti accolsero l'insulto e il resto è storia.

La rappresentazione nebbiosa del porto di Le Havre all'alba da parte di Monet, con il suo sole arancione luminoso e le pennellate sciolte e visibili, annunciò l'arrivo di una nuova era della pittura.

Ninfee — Claude Monet (serie)

Verso la fine della sua vita, quasi cieco a causa della cataratta, Monet creò la serie delle Ninfee, composta da oltre 250 dipinti di grandi dimensioni dello stagno nel suo giardino di Giverny. Alcune di queste enormi tele avvolgono le pareti del museo dell'Orangerie a Parigi, creando un ambiente immersivo che dà meno l'impressione di osservare dei dipinti e più quella di trovarsi al loro interno.

La serie e gli esempi conservati al MoMA di New York sono considerati precursori dell'espressionismo astratto.

Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte — Georges Seurat, 1886

Georges Seurat impiegò due anni per creare questo dipinto monumentale usando una tecnica che chiamò puntinismo. La tecnica consiste nell'utilizzare migliaia di minuscoli punti di colore puro che l'occhio fonde in un unico colore a distanza.

Il dipinto raffigura parigini che si rilassano lungo la Senna in un pomeriggio d'estate, rappresentati con una quiete e una formalità che contrastano stranamente con il soggetto informale. È esposto all'Art Institute of Chicago e resta uno dei dipinti tecnicamente più straordinari mai realizzati.

La Danza al Moulin de la Galette — Pierre-Auguste Renoir, 1876

La Danza al Moulin de la Galette mostra Renoir nella sua veste più gioiosa. Rappresenta una scena di parigini che ballano e socializzano in un caffè-giardino, con la luce screziata del sole che filtra tra gli alberi e si posa sulle superfici dei cappelli, dei bicchieri e dei volti sorridenti. Il dipinto fa sentire felici semplicemente guardandolo. Oggi è esposto al Musée d'Orsay.

La Colazione dei canottieri — Renoir, 1881

Compagno ideale, nello spirito, del Moulin de la Galette, La colazione dei canottieri ritrae un gruppo di amici di Renoir (artisti, scrittori e mondani) riuniti attorno a un tavolo dopo una mattinata trascorsa sull’acqua. È uno dei dipinti più celebrativi della storia e uno dei migliori esempi di arte impressionista.

Colazione sull’erba — Édouard Manet, 1862–1863

Colazione sull’erba suscitò scandalo quando fu esposto per la prima volta. Una donna nuda siede disinvoltamente con due uomini completamente vestiti in un parco e guarda direttamente lo spettatore senza alcun imbarazzo. L’establishment accademico era indignato.

Ma Manet non era interessato alla mitologia o all’allegoria; voleva soltanto dipingere la vera vita moderna, in tutta la sua strana complessità sociale. Oggi il dipinto è riconosciuto come una delle opere fondamentali nella transizione dall’arte classica a quella moderna.

Al caffè L’Assenzio — Edgar Degas, 1876

Degas aveva il dono di catturare la malinconia della vita moderna e Al caffè L’Assenzio è forse la sua opera più inquietante. Una donna siede al tavolo di un caffè, con un bicchiere di assenzio davanti a sé, e fissa il vuoto con un’espressione di totale distacco.

La composizione è volutamente scomposta, con le figure spinte da un lato e il tavolo sospeso a un’angolazione insolita, creando un senso di inquietudine molto contemporaneo.

5. Post-Impressionismo ed espressionismo

La notte stellata — Vincent van Gogh, 1889. MoMA, New York

Vincent van Gogh dipinse questo scorcio notturno illuminato dalla luna della vista che aveva di giorno nel 1889, durante il suo soggiorno in un ospedale psichiatrico a Saint-Rémy. A destra è visibile una parte dell’edificio, oltre il quale aveva una vista recintata sui campi di grano. La notte stellata è una delle opere più iconiche della storia dell’arte occidentale per il suo potente dinamismo emotivo e psicologico e la sua colorazione vivace.

Girasoli — Van Gogh, 1888

La vivace serie di girasoli di Van Gogh, dipinta nel 1888, esalta il colore, la vita e il cameratismo artistico. È tra le sue opere più iconiche.

Un grande ciuffo d’erba — Albrecht Dürer

Sebbene appartenga a un’epoca precedente, Un grande ciuffo d’erba di Albrecht Dürer merita di essere menzionato per lo spirito post-impressionista con cui guarda alla natura con intensità ossessiva. Dipinto nel 1503, raffigura un ciuffo d’erba, erbacce e un dente di leone, resi con dettagli microscopici.

È uno dei primi studi paesaggistici puri nella storia dell’arte occidentale e la sua attenzione scientifica per il mondo naturale pose Dürer secoli avanti rispetto ai suoi tempi.

Autoritratto con orecchio bendato — Van Gogh, 1889

Van Gogh dipinse quest’opera nel 1889, dopo il suo famoso crollo nervoso, e mostra la sua resilienza e vulnerabilità con notevole schiettezza.

Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? — Paul Gauguin, 1897

Gauguin dipinse quest'opera monumentale a Tahiti dopo aver abbandonato l'Europa e la considerava il suo capolavoro. Il titolo si legge come una meditazione sull'esistenza umana: la nascita a un'estremità della tela, la vecchiaia all'altra e, al centro, una figura che tende le mani verso l'alto per raccogliere frutti da un albero.

Mont Sainte-Victoire — Paul Cézanne

Paul Cézanne dipinse il Mont Sainte-Victoire, la montagna vicino alla sua città natale di Aix-en-Provence, più di sessanta volte nell'ultimo decennio della sua vita. In ogni versione, spinse oltre la geometria del paesaggio, scomponendo la montagna in piani di colore che prefigurarono il Cubismo. Cézanne disse notoriamente di voler «rifare Poussin dalla natura», e questi dipinti rappresentano la sua indagine più approfondita su come l'occhio percepisca realmente la profondità e la forma.

6. Capolavori moderni e del XX secolo

Guernica — Pablo Picasso, 1937

Guernica è il dipinto politicamente più potente dell'arte moderna. Picasso lo creò in risposta al bombardamento nazista della città basca di Guernica durante la guerra civile spagnola. Il dipinto è una cacofonia di figure urlanti, un cavallo morente, una madre che urla e frammenti di corpi.

È esposto al Museo Reina Sofía di Madrid, dove rimase per decenni in condizioni speciali: per molti anni Picasso si rifiutò di permetterne il ritorno in Spagna finché Franco era al potere.

Les Demoiselles d'Avignon — Picasso, 1907

Se Guernica è il testamento morale di Picasso, Les Demoiselles d'Avignon è il suo terremoto artistico. Il dipinto raffigura cinque donne nude rese in uno stile frammentato e angolare che ruppe completamente con ogni tradizione occidentale del nudo.

Le maschere africane e iberiche influenzarono Picasso, e il risultato fu un'opera così radicale che persino i suoi amici più stretti rimasero sconvolti. È ampiamente considerata il documento fondativo del Cubismo e uno dei dipinti più celebri della storia. È esposta al MoMA di New York.

La persistenza della memoria (Orologi molli) — Salvador Dalí, 1931

Su una piccola tela appena più grande di un foglio di carta, Salvador Dalí creò una delle opere d'arte più immediatamente riconoscibili del XX secolo. Dichiarò di averla dipinta dopo aver fissato un pezzo di formaggio Camembert che si scioglieva. Che sia vero o no, l'immagine si è impressa nell'immaginario collettivo e non lo ha mai più abbandonato. È esposta al MoMA di New York.

L'uomo figlio — René Magritte, 1964

René Magritte era affascinato dall'occultamento e L'uomo figlio è la sua meditazione più celebre su questa idea. Un uomo con bombetta e cappotto sta davanti a un muretto; una mela verde sospesa gli oscura completamente il volto. È divertente, strano e filosoficamente acuto.

American Gothic — Grant Wood, 1930

American Gothic è uno dei dipinti più riconoscibili dell’arte americana. Un uomo austero con un forcone e una donna stanno davanti a una fattoria con una caratteristica finestra gotica. Le espressioni sono oggetto di dibattito da allora. Sono un contadino e sua moglie? Oppure un padre e una figlia? Il dipinto si trova all’Art Institute of Chicago.

Nottambuli — Edward Hopper, 1942

Nottambuli è il dipinto per eccellenza sulla solitudine americana. Quattro figure in un diner a tarda notte (una coppia, un uomo solo con le spalle rivolte alla vetrina e un cameriere dietro il bancone) sono illuminate da una dura luce fluorescente, in contrasto con la strada cittadina buia all’esterno.

Hopper ha catturato l’isolamento al centro della vita urbana moderna con una chiarezza che ha reso quest’immagine una delle più riprodotte dell’arte americana. È esposto all’Art Institute of Chicago.

Lattine di zuppa Campbell — Andy Warhol, 1962

La serie del 1962 di Andy Warhol elevò i prodotti di consumo quotidiano al rango di opere d’arte, ridefinendo il rapporto tra arte e cultura popolare. Nell’opera, Warhol si chiedeva cosa rendesse l’“arte” arte e perché una lattina di zuppa dovesse essere meno degna di contemplazione di una Madonna rinascimentale. Le opere si trovano oggi al MoMA e la domanda che hanno sollevato non ha mai ricevuto una risposta definitiva.

No. 31 — Jackson Pollock, 1950

Il No. 31 di Jackson Pollock è una delle opere emblematiche dell’Espressionismo astratto. Pollock stendeva le sue tele sul pavimento e lasciava gocciolare, colava e schizzava la pittura sulla superficie, in un processo che descriveva come gesto puro. Il risultato è una fitta rete stratificata di linee che ricompensa un’osservazione prolungata. È esposto al MoMA di New York.

Il mondo di Christina — Andrew Wyeth, 1948

Il mondo di Christina è al tempo stesso uno dei dipinti più amati e più inquietanti dell’arte americana. Il dipinto combina realismo e mistero, e la figura che si protende attraverso il campo è diventata un’icona di desiderio e determinazione. Il dipinto si trova al MoMA e la sua combinazione di bellezza e malinconia è indimenticabile.

Il bacio — Gustav Klimt, 1907–1908

Il bacio di Gustav Klimt è ricoperto di foglia d’oro, motivi decorativi e forme sinuose sospese tra il figurativo e l’astratto. È esposto al Belvedere di Vienna e riproduzioni dell’opera si trovano in appartamenti e dormitori universitari di tutto il mondo.

Autoritratto con collana di spine e colibrì — Frida Kahlo, 1940

Frida Kahlo dipinse Autoritratto con collana di spine e colibrì durante uno dei periodi più dolorosi della sua vita. Un gatto nero è appollaiato su una spalla e una scimmia sull'altra; una collana di spine le fa sanguinare il collo. Kahlo trasformò il suo dolore in arte con una schiettezza che continua a toccare profondamente il pubblico di tutto il mondo.

Composizione con rosso, blu e giallo — Mondrian, 1930

La Composizione con rosso, blu e giallo di Piet Mondrian sembra semplice: una tela bianca divisa da linee nere in campi rettangolari, tre dei quali sono riempiti di rosso, blu e giallo.

Ma Mondrian trascorse anni a elaborare il preciso equilibrio di questa composizione, convinto di cercare un'armonia visiva universale sotto la superficie del mondo visibile. L'influenza di quest'opera e di lavori simili sul design grafico, sulla moda e sull'architettura è incalcolabile.

7. Ritratti iconici da conoscere

Ritratto di Enrico VIII

Nel 1537 Hans Holbein il Giovane creò con questo murale l'immagine definitiva del potere dei Tudor, raffigurando Enrico affiancato dal padre e dal figlio. Distrutto poco dopo il completamento, il cartone preparatorio del murale divenne così iconico da definire ancora oggi l'immagine di Enrico.

Madame X — John Singer Sargent, 1884. Metropolitan Museum of Art, New York

Il ritratto di Madame X realizzato da John Singer Sargent nel 1884 suscitò uno scandalo a Parigi. Oggi è celebrato per la sua elegante freddezza, la raffinata finitura e la maestria delle pennellate.

Napoleone attraversa le Alpi — Jacques-Louis David, 1801. Reggia di Versailles

In questo capolavoro del 1801, Jacques-Louis David trasformò una normale traversata militare in una propaganda eroica.

Il ragazzo in blu — Thomas Gainsborough, 1770

Il ritratto del 1770 di Thomas Gainsborough è un capolavoro dell'arte britannica, celebrato per i suoi colori luminosi e la sua posa sicura.

Cani che giocano a poker — Cassius Coolidge, 1894–1903

La serie di dipinti umoristici di Cassius Coolidge, realizzata tra il 1894 e il 1903, è nota più per la sua onnipresenza che per un particolare valore artistico. E il fatto che sia rimasta così incredibilmente popolare fino a oggi dimostra che la storia dell'arte possiede anche un senso dell'umorismo.

Dipinti famosi dei più iconici artisti

Alcuni artisti hanno creato opere d'arte così straordinarie da diventare, col tempo, nomi conosciuti da tutti. La loro intera produzione comprende capolavori. Rientrano nella categoria dei geni e, quando parliamo di storia, tendiamo a usare le loro opere come riferimento cronologico.

• Famosi dipinti di Leonardo da Vinci: La Gioconda, L'ultima cena, L'Uomo vitruviano, Dama con l'ermellino e Salvator Mundi
• Famosi dipinti di Vincent van Gogh: La notte stellata, I girasoli, Iris, Autoritratto con orecchio bendato e La camera da letto.
• Opere famose di Pablo Picasso: Guernica, Les Demoiselles d'Avignon, La donna che piange, Ragazza davanti a uno specchio, Tre musicisti
• Dipinti famosi di Claude Monet: Impressione, levar del sole, Ninfee, Donna con parasole, serie della Cattedrale di Rouen, Covoni.
• Dipinti famosi di Johannes Vermeer: La ragazza con l'orecchino di perla, La lattaia, Veduta di Delft, Donna con bilancia e Ragazza che legge una lettera davanti a una finestra aperta.
• Dipinti famosi di Rembrandt: La ronda di notte, Lezione di anatomia del dottor Tulp, Il ritorno del figliol prodigo, Autoritratto con due cerchi

Dipinti famosi per movimento artistico

Movimento artistico	Epoca	Dipinto principale	Artista
Rinascimento	Anni 1400–1600	La Gioconda	Leonardo da Vinci
Barocco	Anni 1600	La ronda di notte	Rembrandt
Romanticismo	Primi anni dell'Ottocento	La libertà che guida il popolo	Eugène Delacroix
Impressionismo	Fine dell'Ottocento	Impressione, levar del sole	Claude Monet
Post-impressionismo	Fine dell'Ottocento	La notte stellata	Vincent van Gogh
Surrealismo	Primi anni del Novecento	La persistenza della memoria	Salvador Dalí
Arte moderna	Anni 1900	Guernica	Pablo Picasso

Dove puoi ammirare questi dipinti famosi?

Molti dei migliori capolavori del mondo, quelli che ci dicono di «andare a vedere», sono conservati in musei che meritano una visita di per sé. Non solo puoi ammirare di persona la scala, la texture e il colore di un dipinto, ma spesso troverai nel museo altre opere che amerai altrettanto.

Il Louvre di Parigi ospita la Gioconda, La libertà che guida il popolo e tesori su tesori dall'antichità fino al XIX secolo.

Il Museum of Modern Art di New York ospita La notte stellata, Les Demoiselles d'Avignon, Campbell's Soup Cans e molte altre opere fondamentali della modernità. È una tappa imperdibile per chiunque sia interessato all'arte moderna.

La Galleria degli Uffizi di Firenze ti accompagna in un viaggio attraverso il Rinascimento con La nascita di Venere e opere di Botticelli, Leonardo e Michelangelo.

Il Museo del Prado di Madrid ospita Las Meninas, Il giardino delle delizie, oltre a capolavori di Goya, Velázquez ed El Greco.

Il Rijksmuseum di Amsterdam è il luogo in cui puoi ammirare La ronda di notte e altre opere dell'Età dell'oro olandese. I Girasoli, Il ritratto dei coniugi Arnolfini e una delle più vaste collezioni di arte europea del pianeta si trovano alla National Gallery di Londra.

E il Musée d'Orsay di Parigi ospita un'eccezionale collezione di dipinti impressionisti e post-impressionisti di artisti tra cui Monet, Renoir, Degas e Van Gogh.

Insieme, queste istituzioni custodiscono molti dei dipinti più importanti della storia.

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Ammirare questi capolavori da dietro una corda in un museo è una cosa, ma ricreare personalmente un'opera d'arte celebre permette di apprezzarla in modo completamente nuovo. Mentre dipingi, inizierai a notare tutte le scelte che hanno contribuito a rendere il capolavoro ciò che è, dai rapporti cromatici alla composizione, fino alla pennellata.

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È anche davvero terapeutico dedicare ogni giorno un po' di tempo a creare qualcosa di bello con le proprie mani. Dopo qualche giorno, ti allontanerai e rimarrai stupito da ciò che riesci a creare.

Domande frequenti

1. Qual è il dipinto più famoso al mondo?
La Gioconda è probabilmente il dipinto più famoso al mondo, grazie al suo sorriso iconico, alla sua storia affascinante e al suo ruolo nel mondo dell'arte.

2. Qual è il dipinto più costoso mai venduto?
Il Salvator Mundi di Leonardo da Vinci è diventato il dipinto più costoso mai venduto all'asta quando ha raggiunto i 450,3 milioni di dollari nel 2017.

3. Cosa rende famoso un dipinto?
L'innovazione artistica, l'importanza storica e la continua diffusione di una storia avvincente contribuiscono a trasformare qualsiasi dipinto in un'icona.

4. Quali sono i dipinti più iconici di Van Gogh?
La notte stellata, Girasoli, Iris, La camera da letto e Autoritratto con orecchio bendato sono tra le sue opere più famose.

5. Quali sono i dipinti impressionisti più famosi?
Impressione, levar del sole, Ninfee, Ballo al Moulin de la Galette e Una domenica pomeriggio all'isola della Grande Jatte

6. Dove è conservata la Gioconda?
La Gioconda si trova al Museo del Louvre di Parigi, dove milioni di persone vengono ad ammirarla ogni anno.

7. Qual è il dipinto più antico che tutti conoscono?
Uno dei dipinti su tavola più antichi e famosi è il Ritratto dei coniugi Arnolfini di Jan van Eyck (1434), ma le pitture rupestri preistoriche risalgono a epoche molto più remote.

8. Quali sono alcuni dei dipinti più famosi negli Stati Uniti?
American Gothic, Nighthawks e Christina's World: innumerevoli capolavori esposti al MoMA sono annoverati tra i più famosi d'America.