50+ der berühmtesten Gemälde der Geschichte und was sie zeitlos macht

Was sorgt dafür, dass ein Kunstwerk uns langfristig im Gedächtnis bleibt?

Wie erlangen manche Gemälde eine scheinbar ursprüngliche ästhetische Beständigkeit, von der Kunstliebhaber über Generationen hinweg nicht genug bekommen können?

Die berühmtesten Gemälde der Welt haben ihren Status erlangt, indem sie universelle menschliche Gefühle, revolutionäre künstlerische Techniken oder wichtige historische Momente festhielten.

Diese Werke bleiben relevant, weil sie zeitlose Themen wie Liebe, Angst, Schönheit, Sterblichkeit und sogar Krieg behandeln – Themen, die über Jahrhunderte hinweg Anklang finden. Zugleich fesseln sie unsere Aufmerksamkeit und Vorstellungskraft und laden uns Jahrzehnt für Jahrzehnt dazu ein, sie erneut zu betrachten.

In diesem Leitfaden stellen wir über 50 der berühmtesten Gemälde der Welt vor. Von Meisterwerken der Renaissance bis hin zu modernen Klassikern haben sich die folgenden berühmten Gemälde über Jahrhunderte hinweg in der öffentlichen Vorstellung behauptet und tun dies bis heute.

Ob du sie zum ersten Mal entdeckst oder alte Favoriten erneut betrachtest – diese ikonischen Bilder spiegeln einige der größten Errungenschaften der Menschheit und einige unserer Schwächen wider.

Was macht ein Gemälde „berühmt“?

Nicht jedes großartige Gemälde erlangt legendären Status. Doch es gibt eine Reihe von Eigenschaften, die die berühmtesten Gemälde aller Zeiten gemeinsam haben. Sie heben sie von den übrigen ab und verankern sie im öffentlichen Bewusstsein.

Dazu gehören:

• Die Geschichte hinter einem Bild: Wenn ein Gemälde mit einem hohen Maß an Mythos, Dramatik oder Skandal verbunden ist, bleibt es eher im Gedächtnis. Als Leonardo da Vincis Mona Lisa 1911 gestohlen wurde, berichteten internationale Schlagzeilen jahrelang darüber. Nach ihrer Wiederentdeckung war das Gemälde zu einer weltweiten Berühmtheit geworden.
• Technische Meisterschaft: Gemälde wie Die Erschaffung Adams oder Las Meninas sind atemberaubend anzusehen, enthalten aber auch einige der anspruchsvollsten und subtilsten Kunsttechniken, von denen Künstler noch heute lernen. Die Pinselführung, Komposition und Lichtgestaltung in diesen Gemälden verkörpern buchstäblich das Beste, was die Menschheit je hervorgebracht hat.
• Kulturelle Resonanz: Die größten ikonischen Gemälde halten einen Moment der Geschichte oder menschlichen Erfahrung so vollkommen fest, dass sie über Jahrhunderte hinweg von bleibender Bedeutung sind. Guernica wirkt relevant, wenn man Gewalt erlebt hat – unabhängig davon, wann oder wo. Der Schrei wirkt relevant, wenn man sich jemals von den Traumata des modernen Lebens überwältigt gefühlt hat.
• Epoche, die es einfing: Große Gemälde fangen auf gewisse Weise etwas Zeitloses über die Epoche ein, in der sie gemalt wurden. Es gelingt ihnen, das Gefühl oder die Identität eines Ortes zu einem bestimmten Zeitpunkt der Geschichte festzuhalten. Das erklärt weitgehend, warum die größten berühmten Meisterwerke über Generationen hinweg nachwirken.

Die berühmtesten Gemälde aller Zeiten

Hier finden Sie die berühmtesten Gemälde und ihre Künstler, nach Epochen geordnet.

1. Meisterwerke der Renaissance, 15.–17. Jahrhundert

Mona Lisa — Leonardo da Vinci, 1503–1519. Louvre, Paris

Leonardo da Vincis Mona Lisa, irgendwann zwischen 1503 und 1519 gemalt, gilt wohl als das berühmteste Gemälde der Welt. Heute befindet sie sich im Louvre in Paris und lächelt den Betrachter mit ihrem rätselhaften Lächeln einfach an.

Das Gemälde wurde noch berühmter, nachdem es 1911 gestohlen und zwei Jahre später wiedergefunden wurde. Napoleon ließ es einst in seinem Schlafzimmer hängen; heute wird sein Versicherungswert auf mehr als 700 Millionen bis 3 Milliarden $ geschätzt.

Bis heute ist die Mona Lisa eines der berühmtesten Ölgemälde aller Zeiten.

Das Letzte Abendmahl — Leonardo da Vinci, 1495–1498. Mailand

Das Letzte Abendmahl von Leonardo da Vinci aus den Jahren 1495 bis 1498 zeigt den Moment, in dem Christus seinen Jüngern mitteilt, dass einer von ihnen ihn verraten wird. Das rätselhafte Tableau wird für seine emotionale Tiefe und technische Vollkommenheit bewundert und inspiriert wie verwirrt Betrachter bis heute.

Schichten verborgener Symbole und geheimer Botschaften wurden jahrhundertelang analysiert und entschlüsselt. Trotz erheblicher Schäden wurde das Werk fünfmal restauriert, um dieses Meisterwerk vor dem Vergessen zu bewahren.

Die Geburt der Venus — Botticelli, Mitte der 1480er-Jahre. Uffizien, Florenz

Sandro Botticellis Die Geburt der Venus aus der Mitte der 1480er-Jahre ist bis heute eines der beliebtesten Bilder der italienischen Renaissance. Es zeigt die Göttin Venus, die auf einer Muschel aus dem Meer emporsteigt. Eine ungewöhnliche Temperamalerei auf Holz trug dazu bei, ihre leuchtende Oberfläche zu schützen – daher ist es kaum verwunderlich, dass dieses Werk sechs Jahrhunderte später noch erhalten ist und verführerisch strahlt.

Die Erschaffung Adams — Michelangelo, 1512

Die Decke der Sixtinischen Kapelle ist eine der größten einzelnen künstlerischen Leistungen der Menschheitsgeschichte, und in ihrem Zentrum befindet sich Die Erschaffung Adams. Dieses Gemälde zeigt den Moment, in dem Gottes Finger sich der ausgestreckten Hand des Menschen entgegenstreckt.

Was dieses Bild außergewöhnlich macht, ist nicht nur seine Größe oder technische Brillanz, sondern auch die Tatsache, dass es eines der ersten Gemälde der westlichen Tradition war, das Gott selbst als sichtbare, körperliche Präsenz im Bild darstellte. Michelangelo malte die Decke vier Jahre lang auf einem Gerüst liegend und litt dabei unter Nacken- und Rückenschmerzen, die er in seinen eigenen Gedichten dokumentierte.

Die Schule von Athen — Raffael, 1509–1511

In den Vatikanischen Museen als Teil einer Freskenserie für Papst Julius II. gemalt, ist Die Schule von Athen Raffaels Hommage an die großen Denker des antiken Griechenlands. Platon und Aristoteles stehen im Zentrum, umgeben von Pythagoras, Sokrates, Euklid und Dutzenden weiteren.

Auf diesem Gemälde erscheint Michelangelo als der grüblerische Heraklit, allein auf einer Stufe im Vordergrund sitzend. Das Gemälde ist eine Meisterklasse der Perspektive und architektonischen Komposition und zeigt noch immer einen der spektakulärsten Räume der Welt.

Mädchen mit dem Perlenohrring — Vermeer, 1665

Johannes Vermeers Mädchen mit dem Perlenohrring, oft als „Mona Lisa des Nordens“ bezeichnet, teilt etwas Wesentliches mit seinem italienischen Gegenstück: Das Motiv blickt dich direkt an, mit einem Ausdruck, der sich nicht eindeutig deuten lässt.

Heute befindet es sich im Mauritshuis in Den Haag und wurde 1881 für gerade einmal 2 Gulden erworben. Nur wenige Gemälde demonstrieren die stille Kraft von Licht und Ausdruck so eindrucksvoll wie diese.

Las Meninas — Velázquez, 1656

Las Meninas hängt im Prado in Madrid, und Kunsthistoriker streiten sich seit seiner Fertigstellung darüber. Das Gemälde scheint die junge Infantin Margarita zu zeigen, umgeben von ihren Hofdamen. Doch Velázquez selbst ist im Bild zu sehen, den Pinsel in der Hand, offenbar ein großes Gemälde malend, dessen Motiv wir nicht sehen können.

Es gilt weithin als die philosophisch komplexeste Komposition der westlichen Kunst und verwischt die Grenze zwischen Motiv und Betrachter, Maler und Gemaltem. Michel Foucault schrieb ausführlich darüber. Pablo Picasso schuf 58 Variationen davon. Sein Einfluss ist bis heute ungebrochen.

Das Arnolfini-Porträt — Jan van Eyck, 1434

Dies ist eines der frühesten und berühmtesten Ölgemälde, die je geschaffen wurden. Der Detailgrad ist unglaublich: Der Spiegel an der Rückwand reflektiert zwei winzige Gestalten, von denen eine vermutlich van Eyck selbst darstellt; im Kronleuchter sind einzelne brennende Kerzen zu sehen; sogar das Fell des Hundes ist Strähne für Strähne dargestellt.

Van Eyck war einer der ersten Maler, die sich wirklich intensiv mit Ölfarbe als Medium auseinandersetzten, und dieses Gemälde, das in der National Gallery in London hängt, zeigt, wie weit sich diese Technik treiben lässt.

Der Garten der irdischen Freuden — Hieronymus Bosch, 1490–1510

Der Garten der irdischen Freuden wurde von Hieronymus Bosch irgendwann zwischen 1490 und seinem Tod im Jahr 1516 gemalt. Das üppige, fantastische Triptychon voller surrealer Landschaften, hoch aufragender Türme und großer wie kleiner Kreaturen wirkt verstörend modern.

Heute im Prado-Museum beherbergt, wird das Meisterwerk oft als Vorläufer des Surrealismus gefeiert. Doch kein Gemälde belohnt längeres Betrachten so sehr wie dieses.

2. Barocke & klassische Gemälde (1600er–1700er)

Rembrandts Nachtwache (1642)

Die Nachtwache ist das Gemälde, das Rembrandt berühmt machte, und zählt auch 400 Jahre später zu den berühmtesten Kunstwerken des Barock. Es zeigt eine Miliz beim Schießen, angeführt von Hauptmann Frans Banninck Cocq, doch atemberaubend ist seine Dynamik: Das sind keine Menschen, die für ein Porträt posieren. Sie sind in Bewegung und im Begriff, hinaus in die Welt zu ziehen.

Das Gemälde hängt im Rijksmuseum in Amsterdam und ist gewaltig – über 3,35 Meter hoch und fast 4,25 Meter breit. Es wurde dreimal angegriffen und jedes Mal sorgfältig restauriert.

Die Anatomievorlesung des Dr. Nicolaes Tulp — Rembrandt, 1632

Ein Jahrzehnt vor der Nachtwache schuf Rembrandt dieses ebenso faszinierende Gruppenporträt. Die Anatomievorlesung des Dr. Nicolaes Tulp zeigt eine öffentliche Sektion, wie sie im Amsterdam des 17. Jahrhunderts häufig praktiziert wurde.

Zu dieser Zeit waren Anatomievorlesungen bereits gesellschaftliche Ereignisse: Dr. Nicolaes Tulp demonstrierte einer Runde faszinierter Zuschauer die Muskeln eines Unterarms.

Die Figuren beugen sich vor, ihre Gesichter bringen eine ganze Bandbreite an Reaktionen zum Ausdruck – von sachlichem Interesse bis zu stillem Staunen. Es ist eine der eindrucksvollsten Darstellungen wissenschaftlicher Neugier in der Kunstgeschichte.

Brieflesendes Mädchen am offenen Fenster — Vermeer

Vermeers Genie lag darin, die private Welt des alltäglichen Lebens einzufangen. Brieflesendes Mädchen am offenen Fenster ist ein Meisterwerk der Stille: Eine Frau ist ganz in ihre Lektüre vertieft, ihr Gesicht spiegelt sich im Glas, und der Raum um sie herum liegt in kühlem nördlichem Licht. Vermeers Gemälde vermittelt den Eindruck, nicht nur einen Moment, sondern mehrere gleichzeitig ablaufende Momente darzustellen.

Judith enthauptet Holofernes — Caravaggio, 1598–1599

Caravaggios Judith enthauptet Holofernes ist nichts für schwache Nerven. Das Bild zeigt die biblische Heldin, wie sie dem assyrischen Feldherrn Holofernes den Kopf absägt, und Caravaggio stellt die Szene mit seinem charakteristischen brutalen Realismus dar. Hier gibt es weder Idealisierung noch anmutige Distanz.

Judiths Gesicht wirkt gefasst und entschlossen. Die Gewalt ist entmutigend realistisch. Das Werk ist eines von vielen Beispielen dafür, was Caravaggio so neu und schockierend machte: Er verwendete gewöhnliche Menschen, darunter einige direkt von den Straßen Roms, als Modelle für sakrale Figuren.

Die Berufung des Heiligen Matthäus — Caravaggio

In einer dämmrigen Kapelle in Rom malte Caravaggio die Berufung des Heiligen mit einem Lichtstrahl, der auf eine Gruppe von Männern an einem Tisch fällt. In diesem Lichtstrahl ist Christus zu sehen, wie er einen Zöllner dazu beruft, Apostel zu werden. Das Gemälde definierte die europäische Kunst neu: Der dramatische Einsatz von Licht und Schatten, die zeitgenössische Umgebung und die gewöhnlichen Gesichter verliehen ihm eine radikale Bildsprache.

3. Romantik & Realismus (spätes 18. bis 19. Jahrhundert)

Die Freiheit führt das Volk an — Eugène Delacroix, 1830

„Die Freiheit führt das Volk an“ ist das ultimative Bild der Revolution. Eine allegorische, barbusige Gestalt der Freiheit schreitet über eine Barrikade aus Leichen und hält die französische Flagge.

Delacroix malte es als Reaktion auf die Julirevolution von 1830. Das Werk fängt sowohl den romantischen Idealismus als auch die blutige menschliche Realität politischer Unruhen ein. Heute hängt es im Louvre in Paris; seine zentrale Figur diente seither als Vorlage für politische Ikonografie.

Das Floß der Medusa — Théodore Géricault, 1818–1819

1816 strandete eine französische Fregatte vor der Westküste Afrikas, woraufhin mehr als 150 Überlebende auf einem hastig zusammengebauten Floß treiben mussten. Als sie zwei Wochen später gerettet wurden, waren nur noch 15 übrig; die anderen waren Hunger, Gewalt und Kannibalismus zum Opfer gefallen.

Géricaults „Floß der Medusa“ ist eine vernichtende Anklage gegen die Inkompetenz der Behörden in der postnapoleonischen Ära. Als es 1819 in Paris enthüllt wurde, sorgte es international für Aufsehen; heute hängt es prächtig neben seinen anderen bedeutenden Werken im Louvre.

Wanderer über dem Nebelmeer — Caspar David Friedrich, 1818

Eine einsame Gestalt steht auf einem Felsvorsprung, das Gesicht von einem Hut verdeckt, die Anzugjacke eng gegen den Wind gezogen. Sie blickt über ein Meer aus Wolken auf eine Bergkette, deren Gipfel im Dunst kaum zu erkennen sind.

„Wanderer über dem Nebelmeer“ von Caspar David Friedrich ist die Essenz der Romantik: Ein Mann wird von der überwältigenden, ehrfurchtgebietenden Kraft der Natur winzig gemacht. Auf sich selbst und den Abgrund der Zeit zurückgeworfen, blickt er in einen Raum, der sich bis ins Unendliche öffnet. Das Gemälde zählt außerdem zu den bekanntesten und beliebtesten Werken, die aus jener Epoche hervorgegangen sind.

Der 3. Mai 1808 — Francisco Goya, 1814

Francisco Goya malte „Der 3. Mai 1808“ sechs Jahre nach der Massenhinrichtung spanischer Zivilisten durch Napoleons Truppen in Madrid. Die zentrale Figur, die Arme in einer christusähnlichen Geste weit ausgebreitet und von einer Laterne vor der Dunkelheit erleuchtet, steht einem Erschießungskommando gegenüber.

Es ist eines der eindringlichsten Antikriegsbilder in der Geschichte der Kunst. Picasso nannte es mehr als ein Jahrhundert später eine direkte Inspiration für Guernica.

Whistlers Mutter — James Whistler, 1871

Offiziell Arrangement in Grey and Black No. 1 betitelt, ist Whistlers Mutter das inoffizielle Porträt mütterlicher Würde in der westlichen Kunst. Whistler malte seine Mutter Anne im Profil vor einer grauen Wand sitzend, ruhig und beherrscht. Das Gemälde hängt heute im Musée d'Orsay in Paris und wurde auf Briefmarken, in Filmen und in Werbeanzeigen reproduziert.

4. Impressionismus (1860er–1890er)

Impression, Sonnenaufgang — Claude Monet, 1872

Impression, Sonnenaufgang ist das Gemälde, das einer Kunstrichtung ganz zufällig ihren Namen gab. Als es 1874 ausgestellt wurde, verspottete es ein Kritiker und sagte, es sei nicht mehr als ein „Eindruck“. Die Künstler nahmen die Beleidigung an, und der Rest ist Geschichte.

Monets verschwommene Darstellung des Hafens von Le Havre im Morgengrauen mit seiner leuchtend orangefarbenen Sonne und den lockeren, sichtbaren Pinselstrichen kündigte den Beginn einer neuen Ära der Malerei an.

Seerosen — Claude Monet (Serie)

Gegen Ende seines Lebens schuf Monet, der durch den grauen Star beinahe erblindet war, die Seerosenserie, die mehr als 250 großformatige Gemälde des Teichs in seinem Garten in Giverny umfasst. Mehrere dieser gewaltigen Leinwände erstrecken sich über die Wände des Musée de l'Orangerie in Paris und schaffen eine immersive Umgebung, in der man weniger das Gefühl hat, Gemälde zu betrachten, als vielmehr mitten in einem davon zu stehen.

Die Serie und die im MoMA in New York aufbewahrten Werke gelten als Vorläufer des abstrakten Expressionismus.

Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte — Georges Seurat, 1886

Georges Seurat widmete der Entstehung dieses monumentalen Gemäldes zwei Jahre und verwendete dabei eine von ihm als Pointillismus bezeichnete Technik. Sie besteht aus Tausenden winziger Punkte reiner Farbe, die das Auge aus der Entfernung zu einer einzigen Farbe verschmilzt.

Das Gemälde zeigt Pariserinnen und Pariser, die sich an einem Sommernachmittag am Ufer der Seine entspannen, in einer so stillen und formellen Darstellung, dass sie einen eigenartigen Kontrast zum ungezwungenen Motiv bildet. Es hängt im Art Institute of Chicago und zählt nach wie vor zu den technisch außergewöhnlichsten Gemälden, die je geschaffen wurden.

Tanz im Moulin de la Galette — Pierre-Auguste Renoir, 1876

Tanz im Moulin de la Galette zeigt Renoir in seiner fröhlichsten Form. Das Gemälde stellt eine Szene mit Pariserinnen und Parisern dar, die in einem Gartencafé tanzen und gesellig beisammensitzen, während geflecktes Sonnenlicht durch die Bäume fällt und die Oberflächen von Hüten, Gläsern und lächelnden Gesichtern aufleuchten lässt. Beim Betrachten wird man allein durch den Anblick glücklich. Heute hängt es im Musée d'Orsay.

Das Mittagessen der Ruderer — Renoir, 1881

Als geistiges Gegenstück zum Moulin de la Galette zeigt Das Frühstück der Ruderer eine Gruppe von Renoirs Freunden – Künstler, Schriftsteller und Personen der Gesellschaft – die sich nach einem Vormittag auf dem Wasser um einen Tisch versammelt haben. Es ist eines der heitersten Gemälde der Kunstgeschichte und eines der herausragendsten Beispiele impressionistischer Kunst.

Das Frühstück im Grünen — Édouard Manet, 1862–1863

Das Frühstück im Grünen löste bei seiner ersten Ausstellung einen Skandal aus. Eine nackte Frau sitzt lässig mit zwei vollständig bekleideten Männern in einem Park und blickt den Betrachter unbefangen direkt an. Das akademische Establishment war empört.

Doch Manet interessierte sich nicht für Mythologie oder Allegorie; er wollte einfach das wirkliche moderne Leben in all seiner seltsamen gesellschaftlichen Komplexität malen. Das Gemälde gilt heute als eines der wegweisenden Werke beim Übergang von der klassischen zur modernen Kunst.

Im Café L'Absinthe — Edgar Degas, 1876

Degas hatte die Gabe, die Melancholie des modernen Lebens einzufangen, und Im Café L'Absinthe ist vielleicht sein eindringlichstes Werk. Eine Frau sitzt an einem Cafétisch, vor ihr ein Glas Absinth, und starrt mit einem Ausdruck völliger Abwesenheit in die Ferne.

Die Komposition ist bewusst unbeholfen gestaltet: Die Figuren sind auf eine Seite gedrängt und der Tisch schwebt in einem ungewöhnlichen Winkel, wodurch ein Gefühl des Unbehagens entsteht, das ausgesprochen zeitgemäß wirkt.

5. Postimpressionismus & Expressionismus

Die Sternennacht — Vincent van Gogh, 1889. MoMA, New York

Vincent van Gogh malte dieses mondbeschienene Gegenstück zu seinem Tagesausblick 1889 während seines Aufenthalts in einer psychiatrischen Anstalt in Saint Rémy. Rechts ist ein Teil des Gebäudes zu sehen; dahinter bot sich ihm ein von Mauern begrenzter Blick auf Weizenfelder. Die Sternennacht gehört aufgrund ihrer kraftvollen emotionalen und psychologischen Dynamik sowie ihrer leuchtenden Farbgebung zu den ikonischsten Werken der westlichen Kunstgeschichte.

Sonnenblumen — Van Gogh, 1888

Van Goghs leuchtende Sonnenblumenserie, die 1888 entstand, feiert Farbe, Leben und künstlerische Verbundenheit. Sie gehört zu seinen berühmtesten Werken.

Großes Rasenstück — Albrecht Dürer

Obwohl es aus einer früheren Epoche stammt, verdient Albrecht Dürers Großes Rasenstück im Zusammenhang mit dem postimpressionistischen Geist einer obsessiv intensiven Naturbetrachtung Erwähnung. Das 1503 gemalte Werk zeigt eine Ansammlung von Gras, Unkraut und einem Löwenzahn, die mit mikroskopischer Detailgenauigkeit wiedergegeben sind.

Es gehört zu den frühesten reinen Landschaftsstudien der westlichen Kunst, und Dürers wissenschaftlich genaue Aufmerksamkeit für die Natur war seiner Zeit um Jahrhunderte voraus.

Selbstporträt mit verbundenem Ohr — Van Gogh, 1889

Van Gogh malte dieses Werk 1889 nach seinem berühmten Zusammenbruch. Es zeigt seine Widerstandskraft und Verletzlichkeit mit bemerkenswerter Offenheit.

Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? — Paul Gauguin, 1897

Gauguin malte dieses gewaltige Werk auf Tahiti, nachdem er Europa verlassen hatte, und betrachtete es als sein Meisterwerk. Der Titel liest sich wie eine Meditation über die menschliche Existenz – an einem Ende der Leinwand die Geburt, am anderen das hohe Alter und in der Mitte eine Gestalt, die nach oben greift, um Früchte von einem Baum zu pflücken.

Mont Sainte-Victoire — Paul Cézanne

Paul Cézanne malte den Mont Sainte-Victoire, den Berg nahe seiner Heimatstadt Aix-en-Provence, im letzten Jahrzehnt seines Lebens mehr als sechzigmal. In jeder Version trieb er die Geometrie der Landschaft weiter voran und zerlegte den Berg in Farbebenen, die den Kubismus vorwegnahmen. Cézanne sagte berühmt, er wolle „Poussin nach der Natur neu malen“, und diese Gemälde stellen seine nachhaltigste Untersuchung darüber dar, wie das Auge Tiefe und Form tatsächlich wahrnimmt.

6. Meisterwerke der Moderne und des 20. Jahrhunderts

Guernica — Pablo Picasso, 1937

Guernica ist das politisch wirkungsmächtigste Gemälde der modernen Kunst. Picasso schuf es als Reaktion auf die Bombardierung der baskischen Stadt Guernica durch die Nazis während des Spanischen Bürgerkriegs. Das Gemälde ist eine Kakophonie aus schreienden Gestalten, einem sterbenden Pferd, einer wehklagenden Mutter und Körperfragmenten.

Es hängt im Museo Reina Sofía in Madrid, wo es jahrzehntelang unter besonderen Bedingungen aufbewahrt wurde: Viele Jahre lang weigerte sich Picasso, eine Rückkehr nach Spanien zu gestatten, solange Franco an der Macht war.

Les Demoiselles d'Avignon — Picasso, 1907

Wenn Guernica Picassos moralisches Vermächtnis ist, dann sind Les Demoiselles d'Avignon sein künstlerisches Erdbeben. Das Gemälde zeigt fünf nackte Frauen in einem gebrochenen, kantigen Stil, der vollständig mit jeder westlichen Tradition der Aktmalerei brach.

Afrikanische und iberische Masken beeinflussten Picasso, und das Ergebnis war ein so radikales Werk, dass selbst seine engsten Freunde schockiert waren. Es gilt weithin als Gründungsdokument des Kubismus und als eines der berühmtesten Gemälde der Geschichte. Es hängt im MoMA in New York.

Die Beständigkeit der Erinnerung (schmelzende Uhren) — Salvador Dalí, 1931

Auf einer kleinen Leinwand, kaum größer als ein Blatt Papier, schuf Salvador Dalí eines der unmittelbar wiedererkennbarsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts. Er behauptete, es gemalt zu haben, nachdem er ein schmelzendes Stück Camembert-Käse angestarrt hatte. Ob das stimmt oder nicht – das Bild prägte sich dem weltweiten Vorstellungsvermögen ein und verschwand nie wieder daraus. Es hängt im MoMA in New York.

Der Sohn des Menschen — René Magritte, 1964

René Magritte war fasziniert von Verhüllung, und Der Sohn des Menschen ist seine berühmteste Auseinandersetzung mit dieser Idee. Ein Mann mit Bowler und Mantel steht vor einer niedrigen Mauer; ein schwebender grüner Apfel verdeckt sein Gesicht vollständig. Das Bild ist humorvoll, seltsam und philosophisch präzise.

American Gothic — Grant Wood, 1930

American Gothic gehört zu den bekanntesten Gemälden der amerikanischen Kunst. Ein streng wirkender Mann mit einer Mistgabel und eine Frau stehen vor einem Bauernhaus mit einem markanten gotischen Fenster. Über die Gesichtsausdrücke wird seit jeher diskutiert. Sind sie ein Bauer und seine Frau? Oder ein Vater und seine Tochter? Das Gemälde befindet sich im Art Institute of Chicago.

Nighthawks — Edward Hopper, 1942

Nighthawks ist das Sinnbild amerikanischer Einsamkeit. Vier Personen in einem Diner spät in der Nacht – ein Paar, ein einzelner Mann mit dem Rücken zum Fenster und ein Kellner hinter dem Tresen – werden vom grellen Neonlicht vor der dunklen Straße der Stadt beleuchtet.

Hopper hielt die Isolation im Zentrum des modernen städtischen Lebens mit einer Klarheit fest, die dieses Bild zu einem der meistreproduzierten Werke der amerikanischen Kunst gemacht hat. Es hängt im Art Institute of Chicago.

Campbell’s Suppendosen — Andy Warhol, 1962

Andy Warhols Serie von 1962 erhob alltägliche Konsumprodukte zur bildenden Kunst und definierte das Verhältnis zwischen Kunst und Populärkultur neu. Mit dem Kunstwerk stellte Warhol die Frage, was „Kunst“ zur Kunst macht und warum eine Suppendose weniger betrachtenswert sein sollte als eine Madonna der Renaissance. Die Werke befinden sich heute im MoMA, und die von ihnen aufgeworfene Frage ist bis heute nicht vollständig beantwortet.

Nr. 31 — Jackson Pollock, 1950

Jackson Pollocks Nr. 31 gehört zu den prägenden Werken des Abstrakten Expressionismus. Pollock legte seine Leinwände auf den Boden und ließ Farbe darauf tropfen, goss sie auf und schleuderte sie über die Oberfläche – ein Prozess, den er als reine Geste beschrieb. Das Ergebnis ist ein dichtes, vielschichtiges Netz aus Linien, das bei längerem Betrachten immer neue Details offenbart. Es hängt im MoMA in New York.

Christinas Welt — Andrew Wyeth, 1948

Christinas Welt ist zugleich eines der beliebtesten und eines der unheimlichsten Gemälde der amerikanischen Kunst. Das Gemälde verbindet Realismus und Mysterium, und die über das Feld reichende Figur ist zu einem Sinnbild für Sehnsucht und Entschlossenheit geworden. Das Gemälde befindet sich im MoMA, und seine Verbindung aus Schönheit und Melancholie ist unvergesslich.

Der Kuss — Gustav Klimt, 1907–1908

Der Kuss von Gustav Klimt ist mit Blattgold, dekorativen Mustern und geschwungenen Formen verziert, die zwischen dem Gegenständlichen und dem Abstrakten schweben. Das Gemälde hängt im Belvedere-Museum in Wien, und Reproduktionen davon finden sich in Wohnungen und Studentenwohnheimen auf der ganzen Welt.

Selbstporträt mit Dornenhalskette und Kolibri — Frida Kahlo, 1940

Frida Kahlo malte Selbstporträt mit Dornenhalsband und Kolibri während einer der schmerzhaftesten Phasen ihres Lebens. Auf einer Schulter sitzt eine schwarze Katze, auf der anderen ein Affe; ein Dornenhalsband lässt Blut aus ihrem Hals fließen. Kahlo verwandelte ihren Schmerz in Kunst mit einer Direktheit, die Menschen auf der ganzen Welt bis heute tief berührt.

Komposition mit Rot, Blau und Gelb — Mondrian, 1930

Piet Mondrians Komposition mit Rot, Blau und Gelb wirkt schlicht: Eine weiße Leinwand wird durch schwarze Linien in rechteckige Felder unterteilt, von denen drei mit Rot, Blau und Gelb gefüllt sind.

Doch Mondrian verbrachte Jahre damit, das präzise Gleichgewicht dieser Komposition auszuarbeiten, weil er glaubte, unterhalb der sichtbaren Oberfläche der Welt nach einer universellen visuellen Harmonie zu suchen. Der Einfluss dieses und ähnlicher Werke auf Grafikdesign, Mode und Architektur ist unkalkulierbar.

7. Ikonische Porträts, die man kennen sollte

Porträt von Heinrich VIII.

Hans Holbein der Jüngere schuf 1537 mit diesem Wandgemälde das maßgebliche Bild der Tudor-Macht. Es zeigte Heinrich, flankiert von seinem Vater und seinem Sohn. Das kurz nach seiner Fertigstellung zerstörte Wandgemälde wurde durch seine Vorlage so ikonisch, dass sie bis heute Heinrichs Bild prägt.

Madame X — John Singer Sargent, 1884. Met Museum, New York

John Singer Sargents Porträt von Madame X aus dem Jahr 1884 löste in Paris einen Skandal aus. Heute wird es für seine kühle Eleganz, seine makellose Ausführung und seine meisterhafte Pinselführung gefeiert.

Napoleon überquert die Alpen — Jacques-Louis David, 1801. Schloss Versailles

Jacques-Louis David machte aus einer gewöhnlichen militärischen Überquerung in diesem Meisterwerk von 1801 heroische Propaganda.

Der blaue Junge — Thomas Gainsborough, 1770

Das 1770 entstandene Porträt von Thomas Gainsborough ist ein Meisterwerk der britischen Kunst, gefeiert für seine leuchtenden Farben und seine selbstbewusste Haltung.

Hunde beim Pokerspielen — Cassius Coolidge, 1894–1903

Cassius Coolidges Serie humorvoller Gemälde, die zwischen 1894 und 1903 entstand, ist eher für ihre schiere Allgegenwart als für einen besonderen künstlerischen Wert bekannt. Und die Tatsache, dass sie bis heute so außerordentlich beliebt geblieben sind, zeigt, dass Kunstgeschichte durchaus einen Sinn für Humor hat.

Berühmte Gemälde der ikonischsten Künstler

Einige Künstler haben so beeindruckende Kunst geschaffen, dass sie schließlich zu bekannten Namen wurden. Ihr gesamtes Werk umfasst Meisterwerke. Sie zählen zu den Genies, und wenn wir über Geschichte sprechen, verwenden wir ihre Werke oft als unsere zeitliche Orientierung.

• Berühmte Gemälde von Leonardo da Vinci: Mona Lisa, Das letzte Abendmahl, Der vitruvianische Mensch, Dame mit dem Hermelin und Salvator Mundi
• Berühmte Gemälde von Vincent van Gogh: Die Sternennacht, Sonnenblumen, Schwertlilien, Selbstporträt mit verbundenem Ohr und Das Schlafzimmer.
• Berühmte Kunstwerke von Pablo Picasso: Guernica, Les Demoiselles d'Avignon, Die weinende Frau, Mädchen vor einem Spiegel, Drei Musiker
• Berühmte Gemälde von Claude Monet: Impression, Sonnenaufgang, Seerosen, Frau mit Sonnenschirm, die Kathedrale von Rouen, Heuschober.
• Berühmte Gemälde von Johannes Vermeer: Das Mädchen mit dem Perlenohrring, Dienstmagd mit Milchkrug, Ansicht von Delft, Frau mit Waage und Das Mädchen mit dem Brief am offenen Fenster.
• Berühmte Gemälde von Rembrandt: Die Nachtwache, Die Anatomie des Dr. Tulp, Die Rückkehr des verlorenen Sohnes, Selbstporträt mit zwei Kreisen

Berühmte Gemälde nach Kunstrichtung

Kunstrichtung	Epoche	Schlüsselgemälde	Künstler
Renaissance	1400er–1600er-Jahre	Mona Lisa	Leonardo da Vinci
Barock	1600er-Jahre	Die Nachtwache	Rembrandt
Romantik	Frühe 1800er-Jahre	Die Freiheit führt das Volk	Eugène Delacroix
Impressionismus	Späte 1800er-Jahre	Impression, Sonnenaufgang	Claude Monet
Postimpressionismus	Späte 1800er-Jahre	Die Sternennacht	Vincent van Gogh
Surrealismus	Frühe 1900er-Jahre	Die Beständigkeit der Erinnerung	Salvador Dalí
Moderne Kunst	1900er-Jahre	Guernica	Pablo Picasso

Wo kannst du diese berühmten Gemälde sehen?

Viele der weltweit besten Meisterwerke, von denen man hört, man solle sie sich „ansehen“, befinden sich in Museen, die allein schon einen Besuch wert sind. Wenn du ein Gemälde persönlich siehst, erkennst du nicht nur seine Größe, Textur und Farbe, sondern entdeckst oft auch andere Werke im Museum, die dir genauso gut gefallen.

Der Louvre in Paris beherbergt die Mona Lisa, Die Freiheit führt das Volk und unzählige Schätze von der Antike bis ins 19. Jahrhundert.

Das Museum of Modern Art in New York beherbergt Die Sternennacht, Les Demoiselles d'Avignon, Campbell's Suppendosen und viele weitere wegweisende Werke der Moderne. Für alle, die sich für moderne Kunst interessieren, ist es ein absolutes Muss.

Die Uffizien in Florenz nehmen dich mit auf eine Reise durch die Renaissance – mit Die Geburt der Venus und Werken von Botticelli, Leonardo und Michelangelo.

Das Prado-Museum in Madrid beherbergt Las Meninas, Der Garten der irdischen Freuden sowie Meisterwerke von Goya, Velázquez und El Greco.

Im Rijksmuseum in Amsterdam findest du Die Nachtwache und weitere Werke aus dem niederländischen Goldenen Zeitalter. Sonnenblumen, Das Arnolfini-Hochzeitsporträt und eine der umfangreichsten Sammlungen europäischer Kunst weltweit befinden sich in der National Gallery in London.

Und das Musée d'Orsay in Paris besitzt eine außergewöhnliche Sammlung impressionistischer und postimpressionistischer Gemälde von Künstlern wie Monet, Renoir, Degas und Van Gogh.

Gemeinsam schützen diese Institutionen viele der bedeutendsten Gemälde der Geschichte.

Erwecke ein berühmtes Meisterwerk mit Malen nach Zahlen zum Leben

Diese Meisterwerke hinter einer Museumsschnur zu bewundern, ist eine Sache, doch wenn Sie ein gefeiertes Kunstwerk selbst nachgestalten, entwickeln Sie eine ganz neue Wertschätzung dafür. Beim Malen werden Sie allmählich die Entscheidungen erkennen, die das Meisterwerk zu dem gemacht haben, was es ist – seien es Farbbeziehungen, Komposition oder Pinselstrich.

Canvas by Numbers stellt von einigen der größten Kunstwerke inspirierte Kits her, darunter Die Sternennacht, Seerosen, Der Kuss und Der Erdbeerdieb. Ganz gleich, ob Sie Anfänger oder erfahrener Maler sind – mit diesen Kits wird Kunstgeschichte auf wunderbar praktische Weise lebendig.

Es ist außerdem wirklich wohltuend, sich jeden Tag etwas Zeit zu nehmen, um mit den eigenen Händen etwas Schönes zu schaffen. Nach ein paar Tagen werden Sie zurücktreten und staunen, wozu Sie fähig sind.

Häufig gestellte Fragen

1. Was ist das berühmteste Gemälde der Welt?
Die Mona Lisa ist wohl das berühmteste Gemälde der Welt – dank ihres ikonischen Lächelns, ihrer faszinierenden Geschichte und ihres Stellenwerts in der Kunstwelt.

2. Was ist das teuerste jemals verkaufte Gemälde?
Salvator Mundi von Leonardo da Vinci wurde zum teuersten jemals bei einer Auktion verkauften Gemälde, als es 2017 450,3 Millionen US-Dollar erzielte.

3. Was macht ein berühmtes Gemälde aus?
Künstlerische Innovation, historische Bedeutung und die fortwährende Verbreitung einer fesselnden Geschichte tragen dazu bei, ein Gemälde zu einer Ikone zu machen.

4. Was sind die ikonischsten Gemälde von Van Gogh?
Die Sternennacht, Sonnenblumen, Schwertlilien, Das Schlafzimmer und Selbstporträt mit verbundenem Ohr zählen zu seinen berühmtesten Werken.

5. Was sind die berühmtesten impressionistischen Gemälde?
Impression, Sonnenaufgang, Seerosen, Tanz im Moulin de la Galette und Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte

6. Wo wird die Mona Lisa aufbewahrt?
Die Mona Lisa befindet sich im Louvre in Paris, und jedes Jahr kommen Millionen Menschen, um sie zu sehen.

7. Was ist das älteste Gemälde, von dem jeder schon gehört hat?
Eines der ältesten und berühmtesten Tafelgemälde ist Jan van Eycks Arnolfini-Hochzeit (1434), doch prähistorische Höhlenmalereien reichen noch viel weiter zurück.

8. Was sind einige der berühmtesten Gemälde in den USA?
American Gothic, Nighthawks und Christinas Welt – unzählige Meisterwerke im MoMA zählen zu den berühmtesten Amerikas.